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Probablemente parte central de un tríptico donde se representa el interior de una iglesia gótica; en el altar, un calvario; el sacerdote alza la hostia. A la izquierda, el devoto mira al altar, mientras el mundano piensa en los afanes de su casa, que se muestra sin fachada, revelando cinco aspectos: cuadra y bodega, cocina, comedor y un hombre que trabaja.
Las dimensiones, formato, temática, soporte y estilo pictórico de estas tres obras -El Calvario (P8211), Lamentación ante Cristo muerto (Museo de Salamanca, CE 106) y La Resurrección (P8212)- hacen pensar en una procedencia común, un retablo con la tradicional temática vinculada al ciclo cristológico, con especial énfasis en los episodios referidos a la Pasión, muerte y Resurrección. Este tipo de
Sabemos por carta del embajador español en Venecia fechada el 30 de junio de 1553 que Tiziano aguardaba indicaciones del emperador para pintar una tabla de Nuestra Señora igual del Ecce-Homo que Vuestra Magestad tiene, concluida en 1554 que se identifica con La Dolorosa con las manos cerradas (P443). En otra carta de 1554 se alude a una segunda Dolorosa para la que Carlos pidió expresamente que se
Según el Evangelio de Juan (19, 34), la herida que muestra Cristo en el costado le fue infligida después de su muerte. Los dos ángeles, azules en su totalidad, son aparentemente querubines. San Juan Evangelista se adelanta para sostener a la Virgen dolorosa, quien, de rodillas y abrazando la cruz, tiene la boca muy cerca de la sangre que mana de las heridas de los pies de Cristo. Las tres mujeres
Sabemos por carta del embajador español en Venecia fechada el 30 de junio de 1553 que Tiziano aguardaba indicaciones del emperador para pintar una tabla de Nuestra Señora igual del Ecce-Homo que Vuestra Magestad tiene, concluida en 1554 que se identifica con la Dolorosa con las manos cerradas (P443). En otra carta de 1554 se alude a una segunda Dolorosa para la que Carlos pidió expresamente que se
Además de compartir con La Dolorosa (P977) medidas , procedencia y cierta dependencia con los modelos de Tiziano, estos dos cuadros están especialmente unidos por su tema. Es juntos como resultan más eficaces y expresivos y cuando se hace evidente que el dolor de la Virgen procede de la contemplación de los sufrimientos de su hijo.
La imagen representa el busto de la Virgen, sobre un fondo dorado, nimbada, inclinada hacia su derecha, vestida con un manto que cubre toda su cabeza y bajo él, un velo blanco ajustado al cuello. En la parte inferior, la inscripción MARE DE DEU, dentro de una filacteria, en letras góticas, aunque parece ser un añadido posterior.
Representación de la Dolorosa inspirada en modelos de Bartolomé Esteban Murillo (P00977).
Imagen de devoción de la Virgen María, vestida de azul y blanco y tocada con la aureola de santidad, que mira directamente al espectador transmitiéndole su dolor por la muerte de Cristo. El busto se completa con un marco interior dorado que contrasta con la mayor volumetría y expresionismo del rostro de Cristo, ejemplos del desarrollo del arte del pintor hacia formas más modernas. Atribuida a Paol
La Virgen María, ligeramente girada hacia la derecha, está con las manos entrelazadas en actitud de imploración, mirada perdida y ojos bañados en lágrimas; viste un manto verde azulado, vestido violeta y toca blanca. La iconografía de la Virgen de los Dolores o Dolorosa no figura en los evangelios, es una creación que surge a partir de la exaltación del patetismo al final de la Edad Media. No obst
La Piedad se fecha hacia 1756, cuando Giaquinto trabajaba en la corte española. Representa una combinación de los temas de Cristo muerto sostenido por un ángel y de la Piedad. En el primer término, sobre el sudario extendido sobre unas rocas, yace el cuerpo de Cristo sostenido por un ángel mancebo que se lo ofrece a la Virgen dolorosa. Esta, en segundo término, dirige su mirada llena de tristeza h
La Virgen, pintada de busto y levemente girada hacia la izquierda, surge desde el fondo neutro gracias a la iluminación dirigida al rostro, que entra por el lateral, hacia el que se inclina la figura. Lleva, debajo del velo que le cubre la cabeza, una toca blanca que rodea la cara y el cuello y cuyo borde despegado origina zonas de sombras. De nuevo en esta imagen, Murillo demuestra ser el pintor
