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Descanso en la Huida a Egipto [Gérard David]
Hacia 1515, óleo sobre tabla, 60 x 39 cm [P2643].
La tabla, con uno de los temas más repetidos en la historia de la pintura, ingresa en el Museo del Prado en 1915 a través del legado Bosch, procedente de un convento de Navarra. Ejecutada con excelente técnica, evoca un mundo lleno de espiritualidad en donde Gérard David se manifiesta también como un magnífico pintor de paisajes. Aunque se apuntó la posible colaboración de Joachim Patinir y Gérard David en la obra, finalmente quedó confirmada la autoría de este último por su relación estilística con la famosa tabla de la Virgen entre las vírgenes (Musée des Beaux-Arts de Rouen). Pertenece a aquellas pinturas ejecutadas por Gérard David, no por encargo sino para satisfacer la demanda del mercado del arte, lo que explica la repetición de versiones de este tema, con notas comunes, aunque no responden a un mismo modelo. La que aquí analizamos es una obra de madurez, en la que el artista combina la influencia de los grandes maestros, que le otorgan un carácter tradicional, con su estilo más personal. Estamos ante un nuevo lenguaje caracterizado por la gravedad de los sentimientos, la fuerza y plasticidad de las formas, el sentido monumental de las composiciones, así como por la intensidad del colorido y la habilidad de modelado. Su interés por la luz le lleva a conseguir casi una perspectiva aérea, en donde el tratamiento de la luz y las sombras le aproximan al sfumato leonardesco. Recrea el paisaje con la escena de género, sin perder el gusto por el detalle y la minuciosidad de los primitivos, con una técnica próxima a la miniatura. En suma, la obra muestra una perfección y belleza en la ejecución, características de su etapa de madurez. Por otra parte, como corresponde a un momento de transición, aparece como un artista de temas religiosos de carácter amable, especialmente vírgenes con niño, con una ternura y un tratamiento iconográfico propios de la Edad Media, a pesar de estar a las puertas del renacimiento. La fuente iconográfica del tema está en Mateo (II, 13-18), el único de los evangelistas que recoge el pasaje. El artista representa el momento en que la Sagrada Familia, para escapar a la matanza de Herodes, tras el anuncio del ángel, sale hacia Egipto. El pintor, aunque suprime otros episodios pintorescos, consigue dar a la escena, sin embargo, un sorprendente naturalismo, introduciendo un carácter íntimo y cotidiano que convierte la tabla en un cuadro de género. De acuerdo con el sentido narrativo del arte medieval, yuxtapone los dos episodios principales que giran en torno al tema de la «Huida a Egipto». De un lado recoge el momento de la «huida» en que la Sagrada Familia va de camino, que aquí queda relegado al fondo de la composición entre los árboles. Sin embargo, concede la mayor importancia al episodio del «descanso», eligiendo el momento en que la Virgen amamanta al Niño. El tema, por otra parte, se convierte en un pretexto para desa­­rrollar un amplio paisaje, en el que en planos escalonados destacan las rocas del primer término, los esbeltos y frondosos árboles del fondo, así ­como el último plano en el que se perciben el río, el castillo y, en el horizonte, las colinas. La composición, centrada en torno a la Virgen con el Niño, que constituye el eje simétrico de la escena, destaca por su verticalidad remarcada por los árboles y las rocas con grietas también verticales. Esta acentuación de la verticalidad pone de manifiesto una influencia quattrocentista, concibiéndose así un espacio más italiano que fla­menco. Si a ello unimos un sentido de sfumato próximo a Leonardo, tenemos uno de los grandes atractivos de este artista y su aportación personal. Es preciso detenerse en el tema principal que representa el momento en que la Virgen amamanta al Niño, sentada en una roca, en una expresión de humildad, escena tratada con un gran sentido naturalista y una exaltación de lo cotidiano, que hace pensar en el descanso de unos viajeros para comer, fuera de toda interpretación religiosa. Sin embargo, el significado religioso es claro en relación con la Virgen, que se convierte en una imagen de devoción en su papel de intercesora de la humanidad (Speculum Humanae Salvationis, cap. 39). El tema, que responde al tipo iconográfico de la Virgen de la Humildad en una de sus representaciones más frecuentes de la pintura gótica, «la Virgen de la leche», muestra cómo mientras la Virgen sostiene al Niño en sus brazos, rememora su futura Pasión. En esta imagen llena de ternura se unen, pues, los primeros momentos de su vida, en que el Niño es alimentado por su madre, y los últimos. En lo que al Niño se refiere, captado con un gran naturalismo, muestra a Gérard David como el artista flamenco que mejor supo pintar al Niño. Hay que destacar, por último, otros elementos que convierten a esta obra en una de las más atractivas del artista, representativa del estilo personal que alcanza al final de su producción. Desde el naturalismo con que trata el bosque alto de castaños y hayas, pasando por la vegetación matizada por la luz que lleva a la ciudad y colinas del fondo, hasta el musgo sobre las rocas o el estudio minucioso de las plantas dejan ver a un Gérard David miniaturista. La naturalidad con que los pliegues del manto de la Virgen caen al suelo marcando su anatomía junto con el magnífico estudio de la cesta de mimbre con los víveres y la cuchara que sostiene el Niño en su mano, que como observación de lo cotidiano aparecen en otras representaciones del pintor, conceden un carácter de escena de género a la representación. La tabla revela, asimismo, una perfecta ejecución que testimonia una sensibilidad sin precedentes en la gradación de los colores, sobre todo en el azul verdoso, tan característico del Gérard David de la última etapa.

M.ª Ángeles Blanca Piquero López

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Descanso en la Huida a Egipto[David]
Lupa
Descanso en la Huida a Egipto[David]
 
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