Comparativa

Disparate fúnebre

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Ficha técnica

Número de catálogo
G02186
Autor
Francisco de Goya
Título
Disparate fúnebre
Fecha
1815-1819
Serie

Disparates [estampa], 18

Edición
Edición póstuma anterior a la 1ª ed., 1848 c.
Técnica
Aguafuerte, aguatinta, buril y bruñidor
Soporte
Papel avitelado agrisado
Medidas
244 x 357 mm [huella] / 249 x 362 mm [papel]
Procedencia
Colección Georges Provôt, París; venta de la colección Provôt, Hôtel Drouot, París, 10-4-1935; Kunsthandlung Helmut H. Rumbler, Frankfurt; Museo del Prado, 1991 [G02169 a G02186].
Forma ingreso

Adquisición por el Museo del Prado a Petra Rumbler [Kunsthandlung Helmut H. Rumbler] con fondos del legado Villaescusa; acuerdo del Real Patronato del Museo, 13-11-1991. Documentación: Caja 2113, Exp. 12.

Referencias Catalográficas

Gassier-Wilson: 1600

Harris: 265.II.1

El título Disparate fúnebre fue propuesto por Camón Aznar.

Título de Harris al Proverbio 18: Dios los cría y ellos se juntan.

COMENTARIO SOBRE EL DISPARATE 18

Con esta estampa finalizaba la edición que la Academia realizó en 1864, y se concebía por tanto como colofón. Paradójicamente, algunos autores la han situado como prólogo a la serie. La dificultad interpretativa es máxima, como demuestran los extremos anteriores, y así Camón Aznar comentaba al respecto que “este Disparate será siempre enigmático, porque su hermetismo es esencial y toda interpretación será siempre mezquina. Encajar en un esquema historial estas figuras es falsearlas y desde luego rebajarlas”.

A la propia complejidad compositiva de la imagen se añade que hasta hace poco tiempo sólo se conocía una prueba definitiva anterior a la primera edición, por lo que las pruebas póstumas, ya fuesen de la primera edición de la Academia o las inmediatamente anteriores, debido al entrapado de la estampación, apenas permitían ver con alguna claridad las líneas de aguafuerte que daban forma a las figuras, y de este modo las descripciones del grabado han consistido, la mayor parte de las veces, en meras suposiciones o intuiciones sobre lo que había representado. De ahí la importancia de la prueba de estado antes del aguatinta adicional, cuya limpieza de estampación permite ver con claridad la composición.

En el suelo yace recostada una mujer, de la que se insinúa la redondez de sus nalgas, envuelta en un manto del que asoma uno de sus pies y la cabeza, que deja entrever parte del cuello y el rostro. Hacia sus pies hay tres tortugas, una serpiente y un sapo. Los dos últimos animales habían sido empleados por Goya con un valor negativo en el Sueño de la mentira y la ynconstancia (Museo del Prado, D03916), pues son animales del mundo nocturno identificados con la avaricia y la lujuria. Las tortugas, sin embargo y tradicionalmente, fueron valoradas de forma positiva como símbolos de la seguridad y la autosuficiencia, aunque también pueden ser vistas como ejemplos del inmovilismo. Junto a la cabeza de la joven, y acechándola, se intuyen dos leones o quizá perros de presa con sus fauces abiertas, que ya fueron utilizados por Goya en los Caprichos enfáticos, como alegoría de la amenaza del absolutismo a los liberales. Sobre la joven se alza en el aire la figura de un anciano, envuelto también en un amplio manto, con el puño izquierdo cerrado y la mano derecha indicando una dirección. Ante él aparecen ridículas figuras sustentadas en el aire con las manos atadas como marionetas o unidas en gesto oferente, así como un grotesco personajillo, mitad humano mitad ave, que mira al anciano con los brazos abiertos. Tras ellos aparece en la sombra una multitud de seres, casi siempre grotescos, en cuyo centro destaca la figura de una mujer con su niño en brazos, única normal entre la caterva de seres de la noche que acechan a los protagonistas de la estampa y que recuerdan los personajes que poblaban las estampas de los Caprichos dedicadas a mostrar el mundo nocturno: murciélagos, alguaciles gatunos, monigotes de madera cubiertos con mantos como si fuesen imágenes de devoción, etcétera.

La falta de una prueba de época con el título manuscrito llevó a denominar la estampa como Disparate fúnebre, interpretando que lo que vemos era el alma de un hombre llegando al mundo de las tinieblas, al más allá. Creo sin embargo que el análisis atento del aguafuerte nos puede aportar una nueva lectura más relacionada con la imagen crítica que Goya ha desarrollado a lo largo de la serie. Desde nuestro punto de vista, lo que estaríamos viendo es la defensa de la vida y la belleza –quizá de la libertad- por parte del anciano, que con el gesto amenazador de su puño indica hacia donde deben ir todos esos seres nocturnos, producto de la irracionalidad de esa época, que acechan a la joven tendida en el suelo, del mismo modo que lo hacían a la libertad en las últimas estampas de los Desastres. Para reforzar esta idea podemos apuntar también la semejanza de esta obra con el Autorretrato con el doctor Arrieta (The Minneapolis Institute of Arts) de 1820. Tanto el rostro y las manos del anciano como las figuras que amenazan en la sombra se encuentran en ambas obras y simbolizan esa lucha por la vida que va a llevar al artista a preocuparse por la representación de la vejez, otro de los temas recurrentes en su obra de esos años.

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1999. Madrid. Museo Nacional del Prado. Goya. Disparates. Dibujos y estampas [G00563].

2012. Barcelona, Fundación La Caixa, Goya: Luces y Sombras

En el recto, margen superior central, a lápiz compuesto: “18”.

PRUEBA DE ESTADO ANTES DEL AGUATINTA ADICIONAL, BURIL Y BRUÑIDOR

Aguafuerte y aguatinta

246 x 358 mm [huella]

H 265.I.1

Colección particular

Prueba única del estado definitivo

Aguafuerte, aguatinta, buril y bruñidor

245 x 350 mm [huella]

H 265.I.2

Colección particular, Alemania

LÁMINA

Cobre, recubrimiento electrolítico de acero, 244 x 358 mm, 1710.31g

Calcografía Nacional, Madrid, 3426

PRIMERA EDICIÓN

Museo del Prado, G04326

OTROS EJEMPLARES EN EL MUSEO DEL PRADO

1ª ed., G00563

Última modificación: 10-09-2012 | Registro creado el 02-07-2012

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