Jardín del amor, El [Rubens]
Hacia 1633-1634, óleo sobre lienzo, 198 x 283 cm [P1690].
El cuadro muestra a varios hombres y mujeres elegantemente vestidos, que caminan o aparecen sentados en una terraza ante un templete de tipo clásico. En torno a ­estas figuras revolotean varios amorcillos, ­cuya presencia en la escena, junto a la de dos estatuas dedicadas a la diosa Venus y a las tres Gracias, identifican el escenario como un jardín del amor. En la parte izquierda del lienzo la escena se extiende hacia un espléndido fondo de paisaje que muestra las dotes de Rubens para este género pictórico. La dulzura de las expresiones y la delicadeza de los gestos de los personajes, la calidez de la luz que impregna la escena y la riqueza y belleza de los ropajes conforman un cuadro que siempre ha gozado de enorme éxito crítico, y demuestran el cuidado que el pintor puso en esta obra, para la que realizó numerosos dibujos preparatorios. Para comprender el significado del cuadro hay que tener en cuenta su relación con la literatura contemporánea. El jardín del amor se relaciona con un tipo de libro muy popular en los ambientes cortesanos durante el renacimiento y el barroco, donde se describen las aficiones y los comportamientos de la alta sociedad; estos libros, entre otras cuestiones, se ocupaban del galanteo y tenían un componente de nostalgia por una vida bucólica que reflejaba un deseo por alejarse de la rigidez de la corte. En los mismos ambientes cortesanos gozaban de popularidad poemas donde se describían los placeres del amor y la seducción y el lugar imaginario del amor, habitado por Venus y Cupido, que goza de una primavera eterna. El cuadro de Rubens se puede considerar como un equivalente plástico de este tipo de literatura. Algunos símbolos que se incluyen en este cuadro indican que el amor que en él se recrea y se celebra es un sentimiento conyugal. La antorcha y la corona que porta el amorcillo central son similares a las que se ven en otros cuadros de Rubens como símbolos de Himeneo, el dios de los matrimonios. Uno de los amorcillos que aparece a la izquierda de la composición lleva un yugo en una mano y en la otra una pareja de palomas, las aves de Venus, unidas por una cinta, elementos que también se reconocen como símbolos de unión matrimonial. El grupo escultórico de las Gracias que se sitúa en el templete muestra a unas diosas que en la antigua mitología, que tan bien conocía Rubens, con frecuencia se encontraban presentes en la ceremonias nupciales. El pavo real que aparece junto a la fuente de Venus es un atributo de la diosa Juno, que en la mitología romana se asociaba también con las uniones conyugales. Es muy probable que este cuadro esté relacionado con el segundo matrimonio de Rubens, que tuvo lugar el 6 de diciembre de 1630, cuando desposó con Helena Fourment, una joven de dieciséis años que sería la principal fuente de inspiración del pintor en la última década de su vida. Así lo indican la presencia de los símbolos matrimoniales que hemos mencionado junto a varias referencias autobiográficas. Las figuras femeninas (en especial la que aparece sentada en el centro de la composición, mirando hacia el espectador) se inspiran claramente en la mujer del pintor, como lo demuestran sus rostros redondeados, su nariz apuntada y sus labios pequeños y abultados. Algunos de los personajes masculinos que aparecen en la escena, en especial el que viste de rojo a la derecha de la composición, también recuerdan a los retratos del propio pintor (aunque no se pueden considerar retratos propiamente dichos). También el diseño del templete remite a la casa palacio que se construyó en Amberes. Rubens pudo pintar el cuadro motivado por el acontecimiento concreto de su boda, o pudo hacerlo algo más tarde, movido por la felicidad que vivía desde el momento de su matrimonio. El cuadro se documenta por primera vez en 1666, cuando se incluye en un inventario del Alcázar de Madrid, donde se describe como «un sarao de Rubens». Permaneció en la colección real hasta su ingreso en el Prado, donde se cataloga por primera vez en 1843.