Alte Pinakothek, Self-Portrait, Thomas Struth. TS Cat. 7691 (Durero, Munich). 116,5 x 147 cm (imagen). Munich 2000

Thomas Struth nació en Geldern (Alemania) en 1954. Estudió en la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf de 1973 a 1980 y en 1978 fue el primer artista que residió en el P.S. 1 Studios en Long Island City. Desde 1993 hasta 1996 ha sido profesor de fotografía en la Hochschule für Gestaltung en Karlsruhe. En 1997-1998 fue galardonado con el Spectrum Internacional Prize for Photography, Stiftung Niedersachsen (Alemania).

Desde finales de los años 70 Thomas Struth es internacionalmente reconocido por las fotografías que ha realizado de ciudades, paisajes, retratos e interiores arquitectónicos. La obra de Struth refleja cómo la fotografía puede a la vez captar y cuestionar la historia de los medios y sus géneros tradicionales así como el papel que desempeñan en el arte contemporáneo y su función dentro de un contexto cultural más amplio altamente influido por los medios de comunicación. Con formación de pintor, se empezó a interesar por la fotografía en 1974 siendo estudiante en la escuela de Düsseldorf donde estudió con Gerhard Richter y, desde 1976, con Bernd Becher. Durante su formación con Becher, Struth recibió influencias de la idea de utilizar un método tipológico en el estudio del medio ambiente urbano. Sin embargo, a pesar de ser riguroso, su método era diferente de un método estrictamente conceptual inspirado en la idea de un inventario.

Desde 1974 hasta 1977, se dedicó a fotografiar a las personas por las calles de Düsseldorf y otras ciudades, posteriormente reflejó sus impresiones en su obra, ciudades en blanco y negro, tomadas con una cámara de mayor formato. Un ejemplo temprano de estas imágenes urbanas en blanco y negro, en las que la arquitectura se convierte en la portadora de historias del mundo pasado y presente, es Crosby Street New York, 1978 (Fig. 1). Muchas más escenas de la ciudad de Nueva York siguieron en 1978 ya que Struth fijó su residencia allí como artista.

Utilizó una perspectiva que parece anónima, es como si las fotografías emergiesen de la capacidad de la cámara de realizar documentos claros y detallados del mundo. “Me interesan las fotografías que no tienen una firma personalizada”, declaró en 1978. Ausente de anécdotas e incidentes, cada calle se desvela como única a su manera, la diferencia entre ellas, en estructura, historia, textura y ánimo, es evidente.

A las fotografías de Nueva York le siguieron paisajes urbanos fotografiados por todo el mundo: Roma Campo dei Fiori en 1984, Bruselas, Ginebra, París Rue de Beaugrenelle en 1979, Hannover, Londres y también Yamaguchi, Tokio Shinjuku-ku TDK en 1986 (Fig. 2), Pekín y Wuhan y más recientemente Dallas, Dallas Parking Lot 2001 (fig 3) y Sao Paolo. Poco a poco, introduce el color, empezando con las escenas callejeras de Japón y China a principios de los 90, Struth permitió que las personas volviesen a reaparecer en sus fotos como en el caso de Shibuya-ku Tokio en 1991 o el de Tien An Men, Pekín 1997.

Los retratos tempranos de familia y amigos que empezó en 1983 introdujeron una serie de retratos (de familia) psicológicamente orientados en 1986, por ejemplo The Bernstein Family Mündersbach 1990 (fig. 4), y Ma Yeu Liang (sentado), Shangay, realizada en 1996. El origen de estos retratos es bastante inusual ya que se basan en un proyecto de colaboración en el que Struth se embarcó con su amigo y analista Ingo Hartmann, que consistía en alentar a sus pacientes a coleccionar y estudiar sus fotografías familiares. Struth quería ver qué significado se podía percibir de esas imágenes y qué y cómo transmitían. Posteriormente el artista empezó a realizar sus propios retratos de familia y de individuos, a veces de otros compañeros artistas, se trata de imágenes que surgen después de meses y a veces años de discusiones intermitentes en las que el artista y los retratados desvelaban juntos cómo deseaban ser vistos en realidad.

El trabajo de Struth es esencialmente un proceso de investigación para intentar comprender y retratar las conexiones y relaciones que condicionan nuestra experiencia como observadores del mundo. Su obra se caracteriza por un punto panorámico oblicuo, una claridad y una neutralidad que permite que el sujeto universal hable. Struth ha trabajado con una gran variedad de géneros: bodegones florales, las fotografías de museos (1989-2004), y amplios paisajes, incluyendo las fotos del Paraíso (1998-2001), frondosas selvas vírgenes en Brasil, Japón, China, Australia y Alemania y también los paisajes del oeste americano.

A las fotografías de museos le precedieron dos imágenes, el retrato del difunto Giles Robertson (con libro), Edimburgo 1985 y Los restauradores de San Lorenzo, Nápoles 1988. (fig. 5). La primera imagen de un museo fue más pequeña en escala que las que realizó después, que duplicaban nuestra experiencia personal frente a una obra de arte. Desde 1989, las fotografías de museos de Struth, tales como National Gallery 1, Londres 1989 o Art Institute of Chicago II Chicago 1990 (fig. 6) representan la arquitectura y los interiores de museo - salas de historia- en relación con el público, salas en las que los personajes se convierten en retrato. En imágenes como National Museum of Art, Tokio, 1999 (fig. 7) o la más antigua Stanze di Raffaelo 2, Roma 1990, se centra en ambientes culturales más concretos y, sin embargo, los turistas conservan su individualidad a través de la lente de Struth, que se caracteriza por parecer ajena a ellos pero de alguna manera sigue siendo amable. En una de sus obras, Pergamon I-IV, 2001 (fig. 8) Struth continúa con sus retratos atemporales de identidad humana en relación con el pasado y el lugar de representación. Esta fue la primera serie exhaustiva de fotografías dedicadas a un único lugar, concretamente el Pergamon Museum en Berlín, que gracias a la caída del muro de Berlín se hizo más accesible al público.

Por contraste, Struth empezó a tomar fotografías de paisajes en 1991, un encargo del primer hospital privado de Winterthur en Suiza para el que creó una serie de fotografías íntimas a pequeña escala de las flores que rodean el paisaje, que se colgaron en las habitaciones de los pacientes, tales como Garten am Lindberg, Winterthur 1991 (fig.9). A raíz de esta incursión, su interés por la naturaleza culminó en las series sobre el paraíso (1998-2001) (fig. 10). Estas fotografías a gran escala representan los bosques aborígenes de Australia, Japón y el sudoeste de China, paisajes inalterados por la intervención humana. En palabras de Struth, “las nuevas fotografías del paraíso son una metáfora de la vida. Esta obra plantea el debate de qué se consideraría un paraíso hoy en día, partiendo de cero”. Sus obras más actuales presentan un híbrido singular de naturaleza y cultura, conduciéndonos a un lugar donde la tecnología del presente se convierte en un paisaje en su totalidad, tales como El Capitan, Yosemite National Park, California 1999 o en Wushan, Yangste Gorge, China realizado con anterioridad(fig. 11).

La obra de Thomas Struth se ha expuesto extensamente en Europa y en los Estados Unidos en instituciones como el Metropolitan Museum of Art en Nueva York, el Museum of Contemporary Art en Los Ángeles, el Dallas Museum of Art, el Museum of Contemporary Art en Chicago, el Sprengel Museum en Hannover, el Carré d’Art en Nîmes, el Kunstmuseum en Bonn, la Art Gallery de Ontario, Toronto, el Institute of Contemporary Art en Londres, el Museum Haus Lange en Krefeld, el Hirshhorn Museum y el Sculpture Garden de Washington; la Renaissance Society de Chicago, el Stedelijk Museum de Ámsterdam y el Portikus de Frankfurt. Su obra también se ha expuesto en Documenta IX, Kassel, el Carnegie International en Pittsburg y el Skilptur Projecte Münster 87, Münster. En 2000-2001 se expuso una retrospectiva de su obra titulada “Thomas Struth: Mi retrato” en el National Museum of Modern Art de Tokio y en el National Museum of Art en Kyoto en Japón.

 
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