Ciclo de conferencias

Darse la mano. Escultura y color en el Siglo de Oro

27 y 30 de noviembre y 4, 11, 14, 18 y 21 de diciembre de 2024

Decía Antonio Palomino que cuando la escultura y la pintura se daban la mano, a través de la imagen policromada, se producía un prodigioso espectáculo. Era el color el que daba la vida al volumen tangible de la escultura, no como un adorno sino como parte integrante de un proceso constructivo que buscaba la verosimilitud y la persuasión, cuyos orígenes se advierten ya desde la Grecia clásica. Esa fusión de las disciplinas artísticas en el mundo hispánico del Siglo de Oro dio como resultado un repertorio de formas fascinante que, en muchas ocasiones y por su función devota, no ha disfrutado de la dimensión que realmente merece. La oportunidad de reflexionar sobre esa conjunción de disciplinas a la luz de la materialidad de los objetos, de los textos de la época y de las variantes que se advierten en las diferentes geografías contribuye a seguir profundizando en una vía que ayuda a entender su fortuna y su trascendencia.

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Horario: Los horarios que figuran en el programa se corresponden con la hora peninsular española.
Destinatarios: Estudiantes universitarios, investigadores, profesionales y público general.
Lugar de realización: Auditorio del Museo Nacional del Prado.
Dirección: Manuel Arias, Jefe de Departamento de Escultura del Museo Nacional del Prado
Organización: Museo Nacional del Prado
Amigos del Museo: Entradas para Amigos del Museo
Asistencia presencial y en remoto: Entradas en taquillas desde las 18 h de cada jornada. Es posible la asistencia presencial a las sesiones hasta completar el aforo. No se realiza emisión directa en línea de las conferencias, pero sí serán publicadas las grabaciones de las mismas.
Contacto: centro.estudios@museodelprado.es

Multimedia

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Colores de Nápoles: policromía y artificio en la escultura del Siglo de Oro

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Colores de Aragón: emociones cromáticas en la escultura del Renacimiento

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Colores de Castilla. Volumen, brillo y color en diálogo

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Colores de Canarias y América: ejemplos y lecturas

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Colores de la Antigüedad. Imagen y color en el mundo clásico

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“Darse la mano”, recorrido por una exposición

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Programa

2024

nov: 27

18.30 h“Darse la mano”, recorrido por una exposición

Manuel Arias (Museo Nacional del Prado)

La exposición que ha dado lugar a este ciclo se desarrolla en siete capítulos, a través de los cuales se va construyendo un argumento que busca mostrar las raíces y las motivaciones que dieron lugar al éxito de la escultura coloreada en el Siglo de Oro español. Arrancando desde la más remota Antigüedad clásica, el objeto tridimensional policromado ha sido una creación en la que se buscaba la verosimilitud a través de los más variados recursos, para hacer de ella un instrumento de comunicación con la divinidad. Las posibilidades de emulación que tenían las esculturas y de identificación con los fieles las convirtieron en una herramienta muy útil para la predicación, como se refleja en los textos de la oratoria sagrada, pero también en el teatro o la poesía. La escultura devocional añade, en virtud de este componte, un factor que sobrepasa lo meramente artístico, algo que también es posible detectar en la buena disposición espiritual de los artífices, convertidos en intermediarios entre la divinidad y el género humano. La exposición propone reflexionar sobre todos estos aspectos, también sobre el género procesional o la escultura pintada, en los que el bulto y el color forman una síntesis perfecta; porque cuando ambos se “dan la mano” como decía Antonio Palomino, se produce un prodigioso espectáculo.

nov: 30

18.30 hColores de la Antigüedad. Imagen y color en el mundo clásico

Trinidad Nogales (Museo Nacional de Arte Romano)

En el análisis de la escultura clásica ha cobrado fuerza en los últimos decenios la línea de investigación sobre la policromía estatuaria, ya que la imagen estaba deformada por los supuestos iconográficos del neoclasicismo que acuñaron la idea del empleo del mármol blanco como material escultórico impoluto.

Los sucesivos hallazgos arqueológicos, las huellas conservadas en las piezas de museos y colecciones históricas y las referencias de las fuentes clásicas son hoy una permanente fuente de estudio y análisis del color en la plástica grecorromana.

La ayuda de las tecnologías actuales ha abierto insospechados caminos para ajustar los conceptos de imagen y color en el mundo clásico. La percepción de la obra en su fisonomía original, a pleno color, ayuda a comprender su creación y significado.

Además de la policromía directa sobre el mármol o piedra local, el aditamento de materiales reales, como paños, armas y todo tipo de objetos y símbolos, es una técnica complementaria al uso del color como sistema de vivificar las imágenes clásicas.

dic: 4

18.30 hColores de Canarias y América: ejemplos y lecturas

Pablo Amador Marrero (Universidad Autónoma de México)

En sintonía con el tema de la exposición y las alusiones que como parte de ella se hacen a Canarias y América, esta presentación se centra en dichas geografías. A partir de ejemplos se insiste en varios de los argumentos de la muestra y se profundiza sobre casos cuyas lecturas atienden a esas otras formas de acercamiento.

Se transitará desde lo común, lo compartido, hasta lo propio, anotando particularidades que pueden entenderse como adaptaciones a sus contextos específicos. También tendrán lugar las percepciones metaescultóricas que nos ofrecen las referencias históricas y sus contrastes con las imágenes mismas. Y es que, al llevarlo al vínculo entre lo escultórico y polícromo, se ponen en liza otras evidencias a sumar a lo que se plantea en la exposición, y con ello a lo aseverado cuando se dijo que en ocasiones “no basta el arte” para el estudio de la imagen religiosa.

dic: 11

18.30 hColores de Castilla. Volumen, brillo y color en diálogo

Ramón Pérez de Castro (Universidad de Valladolid)

El peso y trascendencia que la escultura -y específicamente la policromada- poseyó en el área de la actual Castilla y León y en la tradición artística hispánica, así como su difusión y ramificaciones hacia otras regiones, cuenta con una tradición historiográfica notable. Si bien algunas de sus grandes personalidades combinaron la práctica pictórica y escultórica (como Berruguete o Becerra) y aunque el color forma parte indisociable del cuerpo escultórico, de su simbolismo y de su experiencia perceptiva, la preocupación por desentrañar las relaciones simbióticas entre escultura y pintura no han tenido tanto predicamento hasta fechas bastante recientes. En el plano teórico, paragones y diálogos -como el de Jaúregui- y textos devocionales planteaban una confrontación mutua por la primacía artística y por la consideración de hijas predilectas de la Naturaleza y de la Verdad. Se analizará este aspecto en el ámbito propuesto y también algunos ejemplos interesantes en los que ambas disciplinas dialogan, se sustituyen o interactúan para conseguir unos fines concretos entre lo metaartístico y lo performativo. Escenografías del parecer y del ser, del engaño y la gloria desvelada, de la luz y la oscuridad.

dic: 14

18.30 hColores de Aragón: emociones cromáticas en la escultura del Renacimiento

Olga Cantos (Instituto del Patrimonio Cultural de España)

Con especial énfasis en el estudio de los retablos escultóricos, se analizan los atributos de los revestimientos polícromos como medio de comunicación visual y soporte espiritual, además de su influencia en la percepción global de este género artístico confeccionado en madera y alabastro.

Reflexionaremos acerca del uso selectivo de los revestimientos cromáticos y de las combinaciones más armoniosas que los pintores optaron por aplicar en función de la perspectiva artística, para así dar respuesta a los factores que influyeron en la percepción global, particularmente de los conjuntos escultóricos de carácter más monumental.

En la misma medida veremos cómo desde el punto de vista creativo el repertorio decorativo evolucionaría hacia una idea basada en la búsqueda del natural, cambio que conllevó una transformación en las técnicas de sombreado a través de la técnica del esgrafiado y en particular de la aplicación de medias tintas entre los estofados de pintura.

dic: 18

18.30 hColores de Andalucía: el arte de pintar la escultura en los siglos del Barroco

Manuel García Luque (Universidad de Sevilla)

En su conocido Arte de la Pintura, Francisco Pacheco resaltó la importancia de la policromía al afirmar que los «colores son la vida del relievo» y que la pintura «es vida de la Escultura», subrayando el papel que los pintores y doradores del Siglo de Oro desempeñaron en la producción de esculturas de madera policromada. Mientras que al escultor competía toda la fase de talla, el pintor se ocupaba de darle el último acabado y perfección mediante la aplicación del color, configurando así un producto híbrido y de autoría múltiple.

El alcance que esta especialidad pictórica tuvo entre los pintores andaluces fue muy notable, especialmente en Sevilla, donde reconocidas figuras como Pacheco o Valdés Leal llegaron a destacar como policromadores. La intromisión de los pintores en materia escultórica, sancionada por las ordenanzas gremiales, favoreció los lazos entre los maestros de ambas disciplinas, pero también encontró la resistencia de algunos escultores, que se vieron abocados a reclutar pintores en sus talleres o a tomar ellos mismos los pinceles para controlar todos los aspectos del proceso creativo.

dic: 21

18.30 hColores de Nápoles: policromía y artificio en la escultura del Siglo de Oro

Roberto Alonso (Universidad Complutense de Madrid)

La ciudad de Nápoles contó con una importante actividad de talleres especializados en la producción de esculturas en madera policromada que experimentaron un notable crecimiento desde finales del siglo XVI. En este momento la división del trabajo en las corporaciones gremiales era tremendamente rígida, obligando a contratar separadamente las labores de “indoratura, graffiatura o coloritura”, una práctica que comenzó a relajarse en el transcurso del siglo XVII, para pasar a ser asumida internamente en los propios talleres de escultura. Partiendo de este contexto, la conferencia pretende indagar en la actividad de los artífices encargados de estas tareas, hoy todavía mal conocidos, así como reflexionar sobre las diferentes técnicas y recursos utilizados para dotar de “vida” a la escultura pintada en Nápoles, ofreciendo una panorámica de su evolución a lo largo del Siglo de Oro. Se atenderá asimismo a la recepción de los gustos polícromos napolitanos en España a través de obras que fueron importadas desde el mismo siglo XVII.

Ponentes

Director. Manuel Arias

Manuel Arias es jefe de Departamento de Escultura del Museo Nacional del Prado. Doctor en Historia del Arte por la Universidad de Valladolid. En 1992 ingresa en el Cuerpo Facultativo de Conservadores de Museos. Desempeña el cargo de subdirector del Museo Nacional de Escultura de Valladolid entre 1993 y 2021, fecha en la que se incorpora al Museo del Prado. Desde el año 2008 es académico de número de la Real Academia de Bellas Artes de la Purísima Concepción de Valladolid. Su principal línea de investigación gira en torno a la escultura del Renacimiento y el Barroco, con especial atención al estudio de la utilización de las fuentes de la escultura clásica y la circulación de modelos gráficos. Estudia la obra de destacados escultores españoles habiendo publicado monografías como Alonso Berruguete, Prometeo de la escultura, Palencia, 2011 o Gaspar Becerra en España, entre la pintura y la escultura, Astorga, 2020, y comisariado exposiciones como Hijo del Laocoonte. Alonso Berruguete y la Antigüedad pagana en el Museo Nacional de Escultura. Trabaja además en el ámbito del coleccionismo y del mecenazgo, de las reliquias y sus contenedores o en proyectos como la catalogación de fondos artísticos pertenecientes a monasterios de clausura.

Trinidad Nogales Basarrate

Trinidad Nogales Basarrate es doctora en Arqueología por la Universidad de Salamanca (Premio Extraordinario de Doctorado en 1992 por esta Universidad). Gana por oposición en 1986 la primera plaza del Museo Nacional de Arte Romano, donde ha desarrollado toda su labor científico-profesional, como responsable de Investigación.

Directora del Museo Nacional de Arte Romano de Mérida desde julio de 2017. Dirección y codirección de proyectos arqueológicos en Augusta Emerita, Regina, Villa Adriana, Ammaia (Portugal), entre otros. Docente y profesora invitada en universidades nacionales y extranjeras: Paris IV-Sorbona, Lisboa y South California, entre otras.

Posee una amplia producción científica en varias decenas de volúmenes y más de un centenar de artículos especializados en urbanismo, iconografía, romanización de Lusitania. Es miembro de instituciones científico- patrimoniales: Correspondiente del Instituto Arqueológico Alemán, Real Academia de la Historia, Real Academia de Santa Isabel de Hungría. Académica de número de la Real Academia de Extremadura de las Letras y las Artes. Ha sido consejera de Educación y Cultura del Gobierno de Extremadura (2011-2015) y recibió el Premio Nacional de Arqueología “Prof. José Mª Blázquez” Cultura Viva 2023.

Pablo F. Amador Marrero

Es investigador titular del Instituto de Investigaciones Estéticas, Universidad Nacional Autónoma de México, rama de Estudios de Arte Virreinal y miembro del proyecto de investigación: Cirima. Circulación de la imagen en la Geografía artística del mundo hispánico en la Edad Moderna del Ministerio de Ciencia e Innovación del Gobierno de España.

Se licenció en Bellas Artes por la Universidad de Granada, obteniendo el título en la especialidad de restauración escultórica y desde hace más de una década es doctor en Historia del Arte por la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria, con la tesis: “Escultura ligera novohispana en el arte español. Siglo XVI-XVII”. Es profesor de maestría y doctorado en Historia del Arte de la UNAM.

Junto a sus participaciones en diversos congresos nacionales e internacionales, ha escrito diversos libros y publicado un buen número de artículos centrados principalmente en las técnicas artísticas, los estudios sobre la imagen escultórica y como parte de ellos, la materialidad entendida desde un amplio ámbito de aproximaciones.

Además, ha sido responsable de más de una decena de comisariados entre México y España, como Tornaviaje. Arte iberoamericano en España del Museo del Prado, en la que fue comisario adjunto. En paralelo a la muestra Darse la mano. Escultura y color en el siglo de Oro es comisario adjunto de la exposición sobre la escultora Luisa Roldán, en el Museo Nacional de Escultura de Valladolid.

Como restaurador ha intervenido un considerable número de piezas, retablos, esculturas y pinturas tanto de las escuelas andaluza, madrileña y canaria en lo que se refiere a España, asimismo de piezas flamencas, americanas y genovesas. Es fundador y miembro permanente del Seminario de Escultura Virreinal adscrito al IIE, UNAM.

Ramón Pérez de Castro

Ramón Pérez de Castro es profesor de Hª del Arte en la Universidad de Valladolid, donde fue becario predoctoral FPU y FPI. Ha realizado estancias de investigación en Roma, Nápoles, México y Madrid (CSIC y Museo del Prado). Su investigación se centra en el arte de la Edad Moderna, especialmente en el campo de la escultura y la retablística de Castilla y León, tema al que dedicó su tesis doctoral Crisis y decadencia de un foco escultórico castellano: Palencia. Es autor o coordinador de una decena de libros, desde Cultura y Arte en Tierra de Campos (Valladolid, 2001) a La pervivencia de lo efímero. Sargas y monumentos de Semana Santa en Palencia y Zamora (en prensa) y un buen número de capítulos de libros o artículos, comisario de varias exposiciones y montajes museográficos. En los últimos años se ha interesado por aspectos vinculados con la cultura visual, la historia de las imágenes y las relaciones artísticas con los virreinatos americanos.

Olga Cantos

Olga Cantos es licenciada en Prehistoria y Arqueología por la Universidad Autónoma de Madrid en el año 1984 y conservadora restauradora por la Escuela de Conservación y Restauración de Bienes Culturales de Madrid en 1985. Especializada en la investigación plástica y perceptiva de conjuntos escultóricos en madera y piedra policromada durante los siglos XVI y XVII, se doctoró con una tesis titulada Recursos plásticos en la escultura policromada aragonesa de la Contrarreforma (1550-1660), editada 2012.

Como conservadora restauradora del Instituto Patrimonio Cultural de España, desde 1990 ha dirigido o codirigido numerosos proyectos de restauración de retablos monumentales, contribuyendo a su estudio y difusión con la publicación de diversos ensayos, con especial interés en el contexto de Aragón; entre estos cabe citar su participación en los dedicados a Santa María de la Huerta y a la Purísima Concepción y el Crucifijo (2015 y 2023), ambos en la catedral de Tarazona, y los titulares de las iglesias de Olvés (2018) y San Miguel arcángel en Ibdes (2020).

Manuel García Luque

Manuel García Luque es profesor titular del Departamento de Historia de la Universidad de Sevilla. Se doctoró con mención internacional por la Universidad de Granada, con una tesis sobre el escultor, pintor y arquitecto de retablos Pedro Duque Cornejo (1678-1757). Especialista en escultura andaluza de los siglos XVII y XVIII, sus investigaciones han profundizado en cuestiones como el papel del dibujo en el proceso creativo de los escultores, las relaciones entre escultura y policromía, el patrocinio y el coleccionismo nobiliario o la transferencia de imágenes y modelos a partir de la circulación de pinturas, vaciados y estampas. Ha sido coeditor del volumen Color y ornamento: estudios sobre policromía en el mundo ibérico (ss. XVII-XVIII).

Roberto Alonso Moral

Roberto Alonso Moral es profesor ayudante del Departamento de Historia del Arte de la Universidad Complutense de Madrid. Su línea principal de investigación se centra en la circulación y recepción de la escultura napolitana en España durante el barroco, tema de su tesis doctoral. En relación con este campo de estudio fue vocal del comité científico y organizador de la exposición Sculture di età barocca tra Terra d'Otranto, Napoli e la Spagna (Lecce), formando asimismo parte del proyecto de investigación PRIN (Progetti di Rilevante Interesse Nazionale) del gobierno italiano: "La scultura lignea in Europa fra Rinascimento e Barocco. Circolazione di maestranze, modelli e materiali tra Italia, Francia, Spagna e Germania" entre 2015 y 2018. Para el desarrollo de su actividad investigadora ha obtenido becas de la Fondazione di Studi di Storia dell'Arte Roberto Longhi de Florencia y de la Università Suor Orsola Benincasa de Nápoles, realizando asimismo estancias de investigación en el Kunsthistorisches Institut de Florencia y en la Biblioteca Hertziana de Roma. Actualmente, es miembro del grupo de investigación La corte española: arte, artistas y mecenas y del proyecto I+D Cirima. Circulación de la imagen en la geografía artística del mundo hispánico en la Edad Moderna.

Darse la mano. Escultura y color en el Siglo de Oro

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