Ciclo de conferencias

Nuevas visiones sobre la copia desde el Museo del Prado: de la antigua Grecia al facsímil digital

20 y 27 de enero, 7, 10, 14 y 17 de febrero de 2024

El fenómeno de la copia ha sido a lo largo de la historia consustancial al de la creación artística, y como consecuencia de tal circunstancia, el Museo Nacional del Prado conserva un notable conjunto de ellas. Con motivo de la reciente apertura de la sala 40 como espacio destinado a la exhibición rotatoria de las más significativas, el presente ciclo propone una revisión de las motivaciones y los procesos de la copia desde el mundo antiguo hasta la actualidad. Las conferencias, organizadas en sentido cronológico, han sido encomendadas a reputados especialistas del ámbito académico y de la investigación histórico-artística, incluyéndose a algunos del mismo Museo Nacional del Prado.

Centro de Estudios

RDF

Con el patrocinio de:

Horario: Los horarios que figuran en el programa se corresponden con la hora peninsular española
Destinatarios: Estudiantes universitarios, investigadores, profesionales y público general
Lugar de realización: Auditorio del Museo Nacional del Prado
Precio: Entrada gratuita hasta completar el aforo
Dirección: David García Cueto
Organización: Museo Nacional del Prado
Amigos del Museo: Entradas para Amigos del Museo
Asistencia presencial: Entradas en taquillas desde las 18 h de cada jornada. Es posible la asistencia presencial a las sesiones hasta completar el aforo. No se realiza emisión directa en línea de las conferencias, pero sí serán publicadas las grabaciones de estas
Contacto: centro.estudios@museodelprado.es

Multimedia

**Video**
Tecnología digital y facsímiles: la copia como indagación de la verdad

**Video**
El triunfo de la copia pictórica en la Europa del Barroco

**Video**
Mímesis, emulación y copia en el Renacimiento: teoría y procedimientos

**Video**
La experiencia creativa en la Edad Media: modelos y dibujos

**Video**
Creación y copia en el Arte Clásico

Ver más contenidos multimedia

Programa

2024

ene: 20

18.30 hCreación y copia en el Arte Clásico

Fabiola Salcedo (Universidad Complutense de Madrid)

La copia artística en el mundo antiguo gozó de una consideración muy diferente de la que tuvo en épocas posteriores. Para comprender su valoración es necesario preguntarse primero cuál era el concepto de arte en la Antigüedad y conocer la finalidad para la que se realizaba una cierta obra. Al margen de consideraciones estéticas vinculadas al criterio de belleza y a la destreza en la ejecución, las motivaciones para la creación artística podían ser religiosas, políticas, propagandísticas, comerciales y otras vinculadas al coleccionismo y al prestigio social. A la vista de diversos ejemplos, reflexionaremos sobre si existía creatividad en una copia y hasta qué punto la había en una obra considerada como original. Pondremos especial énfasis en el mundo romano, momento en que el mercado del arte cobró dimensiones hasta ese momento desconocidas, y observaremos los modelos escultóricos más famosos que fueron copiados y versionados, tanto en tiempos romanos como en épocas posteriores.

ene: 27

18.30 hLa experiencia creativa en la Edad Media: modelos y dibujos

Joan Molina (Museo del Prado)

Una débil y a la vez evidente frontera separa las ideas de copia y originalidad en la Edad Media. Hace ya años, en sus clarividentes Meditaciones sobre un caballo de juguete, Ernst Gombrich ofrecía un acertado símil al comparar el proceso creativo del artista medieval con el de un director de orquesta que interpreta una partitura de manera personal y única. Desde prestigiosas arquitecturas hasta veneradas imágenes de culto o del pasado fueron reinterpretadas una y otra vez con el objetivo de evocar ideas del modelo original pero también otras lecturas que respondían a las circunstancias y expectativas de cada demanda. Por su parte, los libros de dibujos de época gótica nos permiten evaluar las prácticas y experiencias artísticas desarrolladas por los maestros, desde su aproximación a la realidad sensible hasta la utilización de fórmulas que facilitaban la reproductibilidad de los modelos. En un recorrido que nos llevará desde el románico hasta el último gótico, el estudio de los modelos y dibujos nos permitirá acercarnos a los fundamentos creativos del artista medieval y algunas de sus manifestaciones más conspicuas.

feb: 7

18.30 hMímesis, emulación y copia en el Renacimiento: teoría y procedimientos

Ana González Mozo (Museo del Prado)

Entre la imitación puntual de una obra de arte y el hecho de inspirarse en ella hay muchos grados y todos ellos se contemplaron durante el Renacimiento, época en la que el estilo propio del artista fue cobrando importancia y los conceptos de invención y mímesis centraron los debates sobre las artes, especialmente en Italia. Por distintos motivos, y muchas veces a petición de los clientes, los artistas se apropiaron de las ideas, las historias y las formas ajenas, incluso reutilizaron sus propias invenciones, cuando estas habían sido exitosas. La copia de las obras de los grandes maestros fue también un ejercicio fundamental para la formación de sus alumnos. Estas prácticas se llevaron a cabo con técnicas que se habían utilizado desde la Antigüedad en los talleres, aunque también se diseñaron dispositivos que ayudaron a reproducir las obras de arte con una precisión cada vez mayor. En esta comunicación se hablará de tales cuestiones y de los procedimientos y de los argumentos que sustentaron el fenómeno de la copia en un intervalo temporal que abarca desde principios del siglo XIV hasta finales del siglo XVI.

feb: 10

18.30 hEl triunfo de la copia pictórica en la Europa del Barroco

David García Cueto (Museo del Prado)

En la Europa del Barroco, la copia pictórica experimentó un extraordinario auge. Su producción pasó de estar restringida a los talleres de los mismos maestros que habían ideado los originales –lo que comúnmente ocurrió en el Renacimiento– para abrirse a la libertad de los copistas ajenos a los lugares de creación de los prototipos. Al mismo tiempo, el coleccionismo de copias se extendió de forma amplia, deseando a menudo con ellas los amantes del arte poseer una referencia, aunque de mano diversa, a las composiciones de ciertos creadores que habían alcanzado gran fama y resultaban imposibles de conseguir en originales. En tan dinámico contexto, a menudo las copias introdujeron elementos deliberadamente diversos a los detalles del modelo, dando muestra con ello de que también fueron –aunque, como es lógico, de manera limitada– una vía para la creación.

feb: 14

18.30 hDe la práctica académica al mercado burgués: la copia pictórica en la cultura del siglo XIX

Carlos G. Navarro (Museo del Prado)

Los cambios culturales que acompañaron al siglo XIX conllevaron una reevaluación profunda del consumo de copias artísticas, configurando un escenario en constante transformación dentro del mercado. La irrupción del gusto burgués y la crisis experimentada por los antiguos clientes del Antiguo Régimen se convirtieron en las fuerzas motrices que impulsaron su significativa reconfiguración a lo largo de la centuria.En este periodo la replicación de obras de arte mantuvo su esencia como un valioso ejercicio de aprendizaje para los artistas, quienes encontraron en esta práctica una manera de perfeccionar sus habilidades y comprender las técnicas empleadas por los artistas canónicos. Sin embargo, el significado y el propósito de la copia fueron más allá de ser meramente un instrumento pedagógico.

El coleccionismo de copias adquirió una nueva dimensión como expresión de un posicionamiento cultural, portador de múltiples significados y connotaciones y reconfigurador del sistema de valores burgués. No se trataba simplemente de reunir reproducciones de obras de arte destacadas, sino de establecer conexiones profundas con las manifestaciones artísticas del pasado, y así nutrir el presente de un rico y complejo legado cultural, cargado de intenciones. Las copias coleccionadas se convirtieron en una especie de testigos del contexto histórico y social en el que fueron creadas, reflejando no solo los gustos y preferencias estéticas de la época, sino también las aspiraciones y valores de la creciente clase burguesa. De esta manera, el coleccionismo de copias se convirtió en una activa herramienta en el paisaje cultural y social del siglo XIX, actuando como un espejo que actuaba sobre las dinámicas de una sociedad en constante cambio.

feb: 17

18.30 hTecnología digital y facsímiles: la copia como indagación de la verdad

Carlos Bayod (FACTUM)

La documentación en 3D de la superficie de una obra de arte, en combinación con otros métodos de análisis no invasivo, permite arrojar nueva luz sobre su técnica y su trayectoria histórica, y hace posible monitorizar su estado de conservación. El escaneado en alta resolución puede además servir de base para la realización de un facsímil, réplica exacta de un original que tiene como fin contribuir a su protección. El trabajo de la Fundación Factum es una referencia en este campo, mediante la combinación de nuevas tecnologías digitales con técnicas artesanales tradicionales, y desde una aproximación esencialmente experimental a la compleja tarea de restituir físicamente la apariencia de los objetos que conforman nuestro Patrimonio artístico y cultural. Gracias a la tecnología digital, un facsímil que reproduzca de manera precisa todas las cualidades superficiales de una obra original nos ayuda a conocerla en profundidad.

Ponentes

Director. David García Cueto

David García Cueto es Jefe de Departamento de Pintura Italiana y Francesa hasta 1800, Museo del Prado. Doctor en Historia del Arte por la Universidad de Granada, institución en la que ejerce como profesor de Historia del arte desde 2009. Asimismo, es profesor invitado en las universidades de Ottawa, Bolonia, Ginebra y Roma, así como en el Collège de France. En 2020 se incorpora al Museo del Prado como Jefe de Departamento de Pintura Italiana y Francesa hasta 1800. Sus estudios se centran, entre otros temas, en las relaciones artísticas entre España e Italia en el siglo XVII, en el arte y la diplomacia en la Edad Moderna y en el arte español del Siglo de Oro, publicando al respecto numerosos estudios, entre los que cabe destacar los libros Claudio Coello, pintor (1642-1693) (2016) o Seicento boloñés y Siglo de Oro español. El arte, la época, los protagonistas (2006).

Fabiola Salcedo Garcés

Profesora Titular de Arqueología en la Facultad de Geografía e Historia de la Universidad Complutense de Madrid, especializada en Iconografía Clásica y en el África Romana. Realizó su tesis doctoral en la Escuela Española de Historia y Arqueología en Roma (CSIC), ciudad donde vivió desde 1991 hasta 1999 trabajando en el Proyecto Tusculum. Es directora del Grupo de Investigación Arqueología Africana de la UCM y de varios proyectos estatales dedicados al norte de África en la Antigüedad que investigan el impacto cultural de Roma entre las poblaciones locales, con marcado énfasis en el mundo de las imágenes. Es autora y editora de numerosas publicaciones sobre Iconografía romana, entre las que cabe destacar: Africa. Iconografía de una provincia romana (1996); Tusculana marmora. Escultura clásica en el antiguo tusculano (2016) y Estudios sobre el África Romana. Culturas e Imaginarios en transformación (2018). También ha sido Visiting Professor en la Universidad de Venecia.

Joan Molina Figueras

Desde 2020 es Jefe de Departamento de Pintura Gótica Española del Museo Nacional del Prado. Doctor en Historia del Arte por la Universidad Autónoma de Barcelonna, es profesor titular de Historia del Arte de la Universitat de Girona desde 1997. Ha sido profesor invitado en las universidades de Viterbo y Nápoles y en el Kunsthistorisches Institut (Florencia) y la École des Hautes Études en Sciences Sociales (París). Desde más de dos décadas sus investigaciones se centran en el estudio de las manifestaciones visuales de los cultos y las leyendas a finales de la Edad Media, las relaciones entre arte y poder en la Corona de Aragón y en la trayectoria artística de algunas de las figuras más sobresalientes del panorama pictórico hispano del Cuatrocientos. Autor de numerosos ensayos y artículos en revistas nacionales e internacionales, entre sus publicaciones se cuentan los libros Arte, devoción y poder en la pintura tardogótica catalana (Murcia 1999), Fragments del gòtic a Girona (Gerona 2008) y Bernat Martorell i la tardor del gòtic català (Barcelona 2003). Recientemente, ha sido comisario de las exposiciones Bartolomé Bermejo (Museo Nacional del Prado y el Museu Nacional d’Art de Catalunya, 2018-19) y El marqués de Santillana. Imágenes y letras (Museo Nacional del Prado, 2022). Recientemente ha llevado a cabo la remodelación de las salas permanentes de pintura gótica española y de pintura del Renacimiento español en el Museo del Prado.

Ana González Mozo

Ana González Mozo es doctor en Bellas Artes (Universidad Complutense de Madrid, 1998). En 1996 se incorpora al Museo del Prado, donde participa en numerosos proyectos de investigación y exposición, especializándose en el estudio de la pintura mediante reflectografía infrarroja y otros métodos de diagnóstico por imagen. Ha realizado estancias en diversos museos y centros de investigación, entre los que cabe destacar la National Gallery de Londres, el C2RMF de París, el laboratorio de los Museos Vaticanos y el Laboratorio de Arqueología Molecular de la Sorbona. Actualmente es Técnico Superior de Museos, adscrita al Departamento de Restauración (Gabinete de Documentación Técnica) y responsable del análisis técnico de la colección de pintura italiana. Sus investigaciones se centran en el estudio de las técnicas y los procesos implicados en la creación artística, en particular del Renacimiento italiano y en la Historia de las relaciones entre el arte y la ciencia. Ha sido investigadora principal de un proyecto de I+D+i para el desarrollo de un sistema de imagen espectral de alta definición para el análisis de obras de arte (ARTEC). Es autora del libro Arte y ciencia en el Museo del Prado. 1930-1960 (2022) y de más de sesenta artículos en revistas y libros nacionales y extranjeros y ha comisariado las exposiciones "In lapide depictum. Pintura sobre piedra en el Renacimiento italiano' (2018) y “Leonardo y la copia de Mona Lisa” (2021), celebradas en el Museo del Prado.

Carlos G. Navarro

Técnico de Conservación de Pintura del Siglo XIX del Museo del Prado. Licenciado en Historia del Arte por la Universidad Complutense, es especialista en pintura y dibujo del siglo XIX. Ha colaborado con diversas instituciones culturales, entre las que se encuentran el Museo de Bellas Artes de Bilbao, la colección Thyssen-Bornemisza o la Hispanic Society of America de Nueva York, en los proyectos de catalogación de sus colecciones, así como en numerosas exposiciones. Trabaja en el Museo del Prado desde el año 2009 –año en que fue el coordinador científico de la exposición Joaquín Sorolla (1863-1923)- y se ha dedicado al estudio de las obras de su colección, centrándose más recientemente en los dibujos de José de Madrazo y las pinturas de Eduardo Rosales. Para el Museo del Prado ha comisariado la exposición Ingres (con Vincent Pomarede), el itinerario La mirada del otro: escenarios para la diferencia (con Álvaro Pérdices) y la exposición Invitadas. Fragmentos sobre mujeres, ideología y artes plásticas en España (1833-1931).

Carlos Bayod

Arquitecto por la Universidad Politécnica de Madrid y doctor en Historia y Teoría del Arte por la Universidad Autónoma de Madrid. Como Director de Proyectos en la Fundación Factum, su trabajo se centra en el desarrollo y aplicación de tecnología digital para la documentación, estudio y difusión del Patrimonio artístico y cultural. Entre otros muchos proyectos, ha dirigido el primer escaneado en alta resolución de la Tumba de Seti I (Luxor, 2016-2021), los Cartones de Rafael en el Victoria & Albert Museum (Londres, 2019) o las Pinturas Negras de Goya en el Museo del Prado (Madrid, 2014). Ha diseñado exposiciones como The Materiality of the Aura. New Technologies for Preservation (Bolonia, 2020) y ha publicado artículos sobre tecnología, conservación digital y museología, reivindicando la importancia de los facsímiles para la protección de las obras de arte. Bayod es conferenciante habitual y ha sido profesor del máster en Historic Preservation de la Universidad de Columbia (Nueva York) así como docente invitado en Harvard Art Museums, Fundación Amigos Museo del Prado o Fondazione Giorgio Cini, entre otras instituciones nacionales e internacionales.