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Antonio Raffaele Calliano, El hambre en Madrid, 1820 (G002718)
Una obra, una historia: el cuadro del hambre
13, 16, 20 y 23 de mayo de 2026
Ciclo de conferencias
Una obra, una historia: el cuadro del hambre
13, 16, 20 y 23 de mayo de 2026
En 1818 José Aparicio pintó una imagen incómoda y magnética: El año del hambre en Madrid. En su siglo fue celebrada y aborrecida, sostenida por el arte oficial y aireada por la prensa; pronto escapó del marco y empezó a circular por canciones, teatro, literatura y estribillos que no siempre fueron en la misma dirección. Antes de que existiera esa palabra, fue toda una obra “pop” en el reinado de Fernando VII: reproducida, venerada y parodiada. Hoy, en cambio, puede parecer un recuerdo de tono local.
La recuperación temporal del lienzo en el Museo del Prado ofrece una ocasión excepcional: mirarlo de nuevo en su vieja casa, rodeado de las pinturas con las que compartió el estrellato y, con él, revisar el momento en que nacieron los primeros museos públicos. Este ciclo de conferencias propone discutir los mitos del progreso artístico, las tensiones entre tradición y modernidad, y el papel del arte en la ficción nacionalista.
- Con el patrocinio de:
-
- Horario
- 13, 16, 20 y 23 de mayo de 2026 a las 18.30 h.
Los horarios que figuran en el programa se corresponden con la hora peninsular española - Destinatarios
- Estudiantes universitarios, investigadores, profesionales y público general
- Lugar de realización
- Auditorio del Museo Nacional del Prado
- Dirección
- Celia Guilarte Calderón de la Barca y Carlos G. Navarro (Museo Nacional del Prado)
- Organización
- Museo Nacional del Prado
- Amigos del Museo
- Entradas para Amigos del Museo
- Asistencia presencial
- Entradas en taquillas desde las 18 h de cada jornada. Es posible la asistencia presencial a las sesiones hasta completar el aforo. No se realiza emisión directa en línea de las conferencias, pero sí serán publicadas las grabaciones de las mismas
- Contacto
- centro.estudios@museodelprado.es
Multimedia
Programa
2026
- may
- 13
18.30 hEl peor cuadro del Museo del Prado
Celia Guilarte Calderón de la Barca (Museo del Prado)
A comienzos del siglo XX, el escritor Umberto Eco imaginó un museo ideal centrado en una sola obra, donde únicamente pudieran amontonarse las historias y con un final reservado a la contemplación consciente del público. Un formato que pareciera estar hecho a medida de una de las pinturas más aclamadas y vapuleadas del Museo del Prado, El año del hambre en Madrid, en la que se agolpan tantos sucesos, personajes y anécdotas, que hacen que resulte complicado abordarlos sin perder la noción del objeto puramente artístico. De ello trataremos en la conferencia, de reconstruir el periplo vital de un cuadro que se remonta a los orígenes del Museo del Prado; de cómo su autor fue capaz de encapsular la historia política de un país en el siglo XIX, y de cómo el canon es modelado por el poder, de manera que la relevancia de una obra de arte puede depender de quién lo ostente en cada momento.
- may
- 16
18.30 hPintar “gloriosos sucesos”. Nación y público en la pintura de José Aparicio
Daniel Crespo Delgado (Universidad Complutense de Madrid)
En un memorial de 1835 en el que resumió su carrera, José Aparicio afirmó que había pintado una serie de cuadros para mayor “gloria de la nación”. Efectivamente, entre 1814 y 1827 Aparicio pintó grandes formatos de temática patriótica que expuso al público con notable éxito. El más famoso de estos cuadros fue El año del hambre en Madrid, que causó un enorme impacto cuando se mostró en la Academia de San Fernando y luego en el Museo del Prado. Algunos artistas españoles contemporáneos también cultivaron las grandes pinturas de propaganda para los regímenes surgidos tras la Revolución Francesa y el periodo napoleónico. Pero ninguno lo hizo de una manera tan sostenida como Aparicio. El uso de la pintura para la exaltación de las naciones se desencadenó en la Europa de finales del siglo XVIII y principios del XX. Incluso fue más allá del Viejo Continente. A partir de la obra de Aparicio analizaremos la singular confluencia de nación, público y pintura en la llamada “era de las revoluciones”.
- may
- 20
18.30 hEl canon vacilante: certezas y rarezas en el nacimiento de los museos públicos
María Bolaños (Doctora en Historia del Arte)
Desde mediados del siglo XVIII se consolida en la cultura europea la noción filosófica de gusto, piedra angular sobre la que van a reposar formas nuevas de conocer y de entender, de enfrentarse a la obra de arte y de establecer las jerarquías artísticas en los museos. Las teorías del gusto propugnaban algo hasta entonces nunca formulado: que la emoción íntima ante una obra no es solo la primera reacción, sino la decisiva; que la opinión del espectador que se deja llevar por sus sentimientos es más «justa» que la del experto; que una pintura puede conmovernos sin necesidad de saber si se atiene al canon establecido o a las leyes impuestas por la Academia; que el Arte no produce verdades. Se acabaron la seguridad y las certezas del Antiguo Régimen con sus jerarquías objetivas y sus exclusiones sistemáticas. En este periodo fundacional de los museos el gusto se reveló más fluctuante y móvil, más inconformista y abierto, menos dogmático de lo que nunca había sido.
- may
- 23
18.30 hEl hambre en los “Desastres de la guerra” de Francisco de Goya
José Manuel Matilla (Museo del Prado)
Los Desastres de la Guerra de Francisco de Goya constituyen el testimonio más elocuente del arte occidental sobre la brutalidad de la guerra y sus terribles consecuencias, tanto por la forma en que muestran la violencia consustancial al ser humano como por el sufrimiento que ésta causa a la población. En 1812, mientras Goya estaba grabando en Madrid las primeras láminas de la serie, la ciudad será incapaz de alimentar a todos sus habitantes. La escasez de alimentos, unida al alza desmesurada de los precios, provocó que el hambre fuese el compañero habitual de sus pobladores. Y tras él, al igual que las plagas, llegaron las enfermedades y la muerte. Este es el hilo conductor de la segunda parte de los Desastres, que va desde la estampa 48 a la 64. En ellas la violencia ya no es explícita, pero Goya va a escenificar sus efectos secundarios, con idéntico resultado de muerte. Es un conjunto de imágenes desoladoras, sobrecogedoras por su intensa carga dramática.
Ponentes
Directora. Celia Guilarte Calderón de la Barca
Celia Guilarte Calderón de la Barca
Celia Guilarte Calderón de la Barca es jefa del Área de Comunicación y Asuntos Corporativos del Museo del Prado y miembro del Cuerpo Facultativo de Conservadores de Museos del Estado desde 2008. Hasta 2018 dirigió la comunicación del Museo Nacional de Escultura. Licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Salamanca y Máster en Gestión de Patrimonio Cultural por la Universidad Complutense, actualmente ultima sus estudios de doctorado en la UNED, donde centra su investigación en la historia museográfica e institucional del Museo del Prado.
Director. Carlos G. Navarro
Carlos G. Navarro
Carlos G. Navarro es conservador de Pintura del Siglo XIX del Museo del Prado. Doctor en Historia del Arte por la Universidad Complutense, es especialista en pintura y dibujo del siglo XIX. Ha colaborado con diversas instituciones culturales en los proyectos de catalogación de sus colecciones, así como en numerosas exposiciones fuera y dentro del Museo. Trabaja en el Museo del Prado desde el año 2009 –año en que fue el coordinador científico de la exposición Joaquín Sorolla (1863-1923) – y se ha dedicado al estudio de las obras de su colección, centrándose más recientemente en los dibujos de José de Madrazo. Para el Museo del Prado ha comisariado la exposición Ingres (con Vincent Pomarède), el itinerario La mirada del otro: escenarios para la diferencia (con Álvaro Perdices) y la exposición Invitadas. Fragmentos sobre mujeres, ideología y artes plásticas en España (1833-1931).
María Bolaños
María Bolaños
María Bolaños, doctora en Historia del Arte, fue entre 1975 y 2008 profesora titular en la Universidad de Valladolid. Su investigación se ha centrado en la historia del coleccionismo y de los museos españoles y en las relaciones entre museo y cultura contemporánea. Es, asimismo, especialista en escultura del siglo XX.
Entre sus libros destacan Pasajes de la melancolía. Arte y bilis negra a comienzos del siglo XX (1996), Historia de los museos en España (1997), La memoria del mundo. Cien años de museología internacional (2002), El silencio del escultor. Baltasar Lobo (2000) e Interpretar el arte (2007).
De 2008 a 2021 fue directora del Museo Nacional de Escultura, donde comisarió una treintena de exposiciones, entre las que destacan: Figuras de la exclusión (2011), Tiempos de Melancolía. Creación y desengaño en la España del Siglo de Oro (2015), La invención del cuerpo. Arte, anatomía, pasiones (2016), Almacén (2019), Miró. La musa blanca (2019), Arte de épocas inciertas (2020) y Non finito. El arte de lo inacabado (2020), La segunda vida de las cosas. Traperos y vanguardistas a comienzos del siglo XX (2023). Para el Museo San Telmo, de San Sebastián, realizó en 2024 la exposición Una conversación. Chillida y las artes (1950-1970).
Daniel Crespo
Daniel Crespo
Daniel Crespo es profesor de Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid. Desde hace más de 20 años viene analizando algunos de los cambios culturales más influyentes que se producen durante la Ilustración. Ha dedicado un nutrido número de monografías y artículos a estudiar la transformación en la definición social y cultural de lo artístico que se produce entre finales del siglo XVIII y principios del XIX, incidiendo en los procesos que conllevaron la codificación moderna de la comprensión y recepción de las bellas artes. Ha comisariado distintas exposiciones (Biblioteca Nacional de España, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando) y ha dirigido proyectos de investigación centrados en la reflexión crítica sobre el concepto de progreso de la Ilustración.
José Manuel Matilla
José Manuel Matilla
José Manuel Matilla es jefe de Colección de Dibujos, Estampas y Fotografías del Museo Nacional del Prado, donde trabaja desde 1999. Anteriormente, desde 1988 a 1998, fue miembro del Gabinete de Estudios de la Calcografía Nacional. Sus áreas de investigación se han centrado en la obra sobre papel de Goya, siendo coautor de varias monografías dedicadas a sus series de estampas. Dirige el catálogo razonado de los dibujos de Goya, del que se ha publicado un primer volumen. En 2019, con motivo del bicentenario del Museo del Prado, comisarió la exposición Goya. Dibujos. Solo la voluntad me sobra. Su actividad investigadora se ha centrado también en la historia del dibujo y el grabado en España en los siglos XVII y XVIII, destacando una serie de exposiciones y catálogos centrados en los cuadernos de dibujo, las cartillas para aprender a dibujar y los usos del dibujo preparatorio para el grabado. Es responsable de la incorporación de la fotografía antigua a las colecciones del Prado y ha impulsado diversos proyectos de edición electrónica y de cómics relacionados con las colecciones del Prado. En la actualidad coordina desde el Museo del Prado un proyecto internacional sobre sobre las redes de sociabilidad de Goya y prepara una exposición con motivo del bicentenario de la muerte del artista.