Seminarios de la Cátedra del Prado. Las escalas de la pintura europea

La escala, no el tamaño medible sino el sentido que uno tiene de la relación con el tamaño, da forma fundamental a las relaciones entre las personas y las obras de arte materiales. En el caso de la pintura, la escala es un medio primario por el cual los mundos representados se relacionan con la experiencia del espectador, sugiriendo posibles nuevas configuraciones de relaciones sociales, políticas y ambientales. Durante el período 1250-1650, la pintura europea experimentó una serie de reinvenciones radicales—el surgimiento de nuevas categorías de imágenes, nuevos roles para el dibujo y nuevos modos de replicación de imágenes escalables, nuevas técnicas y soportes pictóricos, así como nuevos enfoques del espacio virtual—que produjeron una experimentación continua con la escala, ya que los pintores intentaron coordinar nuevas modalidades de pintura con los espectadores y los entornos reales a los que servían.

Todos estos problemas nos son familiares hoy en día, ya que luchamos por coordinar nuestra inmersión en nuestros diversos dispositivos de imagen pequeña (teléfonos, tabletas, computadoras) con lo que vivimos en la zona de experiencia que ahora se llama “in real life." Estas conferencias parten de la premisa de que estos problemas de interferencia de escala, lo que podría significar vivir en escala y fuera de escala con nuestras imágenes, no son nuevos. En los siglos de su reinvención, la pintura occidental desarrolló una serie abierta de experimentos con la escala, una larga historia de adaptaciones y negociaciones dentro de las imágenes y también tentativos de gestionar la relación entre los espacios virtuales y los espacios reales de sus espectadores. Durante el siglo XVI se afianza la apuesta por presentar figuras a “escala de vida”, con profundas consecuencias para la historia de la pintura europea.

En las cuatro conferencias y las cinco sesiones del seminario de que consta el programa de la XII Cátedra del Prado se desarrollarán algunos de los temas apuntados según un protocolo de “slow looking” ante las obras de arte, con el objetivo de revindicar la importancia del encuentro directo con las obras y el consecuente desarrollo de una observación sostenida y de una investigación abierta y estructurada. Para poder desarrollar adecuadamente el seminario ante originales se restringe a un máximo de 24 el número de participantes.