La atribución tradicional a Domenico Tintoretto puede muy bien ser acertada, aunque algunos aspectos del estilo evocan la obra de Alessandro Maganza (1556-después de 1630).

Como ha observado Anna Forlani en una anotación en el paspartú del Museo (1980), este dibujo es una obra típica del hijo de Jacopo Tintoretto (1519-1594), Domenico, que se formó junto a su padre y trabajó con él en su taller. El dibujo está muy restaurado, sobre todo en su mitad inferior, presumiblemente en el siglo XVIII.

La pintura representa el momento en que Judit entrega la cabeza de Holofernes a su sirvienta, en actitud de abandonar la tienda donde yace inerte el cuerpo del general. La escena tiene lugar en plena noche en el campamento asirio, y el pintor emplea violentos contrastes de luces y sombras, en línea con el gusto creciente de la escuela veneciana por un claroscurismo intenso que veremos culminar en algunos cuadros de los Bassano. Como en las obras más representativas del futuro tenebrismo, se trat

Entre 1636 y 1666 ingresaron en la colección real española numerosos retratos de damas venecianas. Uno de ellos acompañó a Las meninas, junto a la Muchacha con una rosa de Guido Reni, en el despacho de verano de Felipe IV en el Alcázar de Madrid, según la decoración ideada por Diego Velázquez (1599-1660). Aunque la ausencia de descripciones detalladas en los inventarios y las manipulaciones de formato sufridas por alguna de estas obras dificultan su identificación certera, por su calidad, gestua

San Juan Bautista, vestido con pieles de camello, bautiza a Cristo en las aguas del río Jordán. Según el Nuevo Testamento, en ese momento bajó el Espíritu Santo en forma de paloma, que aparece representado en la parte superior de la composición, y se oyó una voz que venía del cielo y decía Éste es mi Hijo amado, en quien me complazco (Mateo 3, 13-17; Marcos 1, 9-11; Lucas 3, 21-22). Atribuida anteriormente a Jacopo Tintoretto, la obra es más bien de su hijo Domenico. La pintura se identifica con

Este lienzo ovalado terminó formando parte de un conjunto integrado por otras seis pinturas apaisadas: Susana y los viejos (P386), Esther ante Asuero (P388), Judith y Holofernes (P389), La reina de Saba ante Salomón (P394), José y la mujer de Putifar (P395) y Moisés salvado de las aguas (P396). Aunque Velázquez las comprara para Felipe IV como conjunto, no debieron formarlo originariamente. Las obras apaisadas son muy anteriores a la ovalada y de mayor calidad, siendo en esta última mayoritaria

Se trata de una composición pensada para decorar un techo, lo que explicaría los fuertes escorzos en que han sido trazadas sus diversas figuras. Es la protagonista una matrona tocada con un casco y con un caduceo y unas espigas en la mano, símbolos del comercio y de la fecundidad de los campos. Ante su presencia huyen la Lujuria, el Robo, la Traición y el Rencor.

La Antigüedad conoció dos Floras: la mitológica, esposa de Céfiro y ejemplo de concordia marital y fecundidad; y la meretrix, legendaria prostituta romana. En la Edad Media se fundieron ambas y en el Renacimiento se identificaron con Flora tanto las jóvenes novias como las cortesanas. Igualmente polivalente es la rosa salvaje que sostiene la mujer, símbolo tanto de la fecundidad matrimonial como del amor carnal.

Las obras P382 y P384 comparten autoría y probablemente fueron concebidas para verse juntas. Su interpretación la proporciona L’arte de Cenni del jurisconsulto Giovanni Bonifacio (1616), el más importante tratado de gestualidad de la época, según el cual, mostrar el pecho abierto significa sinceridad: “porque el pecho es la sede del corazón, y el hablar de verdad y sinceramente se dice entre nosotros estar hecho con el corazón”. Cubrirse el pecho, por el contrario, significaría “esconder el cora