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San Francisco confortado por un ángel músico
Ribalta, Francisco
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Ribalta, Francisco

Solsona, Lérida, 1565 - Valencia, 1628

Catalán de origen, su formación primera la hizo en el entorno de El Escorial a la vista de obras y artistas españoles e italianos que allí trabajaron, captando las novedades más significativas de su arte. Elaboró así un estilo ecléctico que llegaría a conjugar la retórica de Cincinato, los atrevidos ...

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San Francisco confortado por un ángel músico

Hacia 1620. Óleo sobre lienzo, 204 x 158 cm.

A finales del siglo XVII, la iconografía de san Francisco se amplió, sustituyéndose gran parte de los temas clásicos biográficos por episodios más complejos, especialmente visiones arrebatadas, éxtasis místicos que conectaban con la nueva estética del Barroco y que proporcionaron, en el caso de san Francisco, una nueva orientación en la representación del santo, cuya vida era presentada por la Orden como un paralelo biográfico a la de Jesucristo. Este episodio concreto hace relación a la aparición de un ángel músico en la humilde celda del santo. Este episodio fue representado por Ribalta como un hecho extraordinario que no llega a vislumbrar al hermano franciscano que en ese momento se incorpora a la celda. Como era habitual en este pintor, Ribalta ideó la escena gracias a una estampa, una composición del italiano Paolo Piazza según un grabado de Sadeler fechado en 1604. Partiendo de la estampa, Ribalta reflejó el momento como una experiencia de luz irreal que envuelve y transforma el espacio cotidiano del santo. El contraste entre la ínfima vela del monje y la experiencia luminosa que inunda a san Francisco, otorgan a la luz un protagonismo esencial, entroncado con los primeros naturalistas españoles, especialmente Bartolomé Carducho y su obra la Muerte de san Francisco (Lisboa, Museu de Arte Antiga), a quien Francisco Ribalta conoció y admiró en torno a 1620. Con Carducho compartió un mismo sentido de la pintura, directa, densa y vibrante, una misma aproximación a la realidad, que aprehende a través de las texturas y las calidades de todos y cada uno de los objetos que pueblan el humilde espacio, y una enorme expresividad en los rostros, reales, cercanos en su humanidad. Son aspectos que le muestran igualmente próximo a la obra de Caravaggio, en un momento de la carrera de Ribalta en que se intensifica el tenebrismo y se simplifican las composiciones que, como en este caso, facilitan el impacto visual de la imagen. La obra se realizó para el convento capuchino de la Sangre de Cristo de Valencia, para el que Ribalta pintó, en 1620, una Santa Cena y un San Francisco abrazando a Cristo crucificado. Aunque San Francisco confortado por un ángel no aparece documentada, se ha considerado que debe incluirse en una cronología cercana a las dos obras señaladas.

La tela pasó a formar parte de las colecciones reales tras una visita de Carlos IV a Valencia. El monarca adquirió la pintura por ser obra de las más perfectas que se conocen del señor Ribalta, tal y como se refirió en la época-, y mandó a Vicente López, el mejor pintor que había entonces en Valencia, que sacase una copia fiel para el Convento (Texto extractado de Ruiz, L.: El Greco y la pintura española del Renacimiento. Guía, Museo del Prado, 2001, p. 186).

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Ficha técnica

Número de catálogo
P01062
Autor
Ribalta, Francisco
Título
San Francisco confortado por un ángel músico
Fecha
Hacia 1620
Técnica
Óleo
Soporte
Lienzo
Dimensión
Alto: 204 cm.; Ancho: 158 cm.
Procedencia
Colección Real (adquisición de Carlos IV, Valencia, 1801-1802; Palacio de Aranjuez, Madrid, séptima pieza del cuarto del príncipe, 1818, nº 283).

Bibliografía +

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Flórez Asensio, María Asunción, La música en la pintura española del s. XVII, GOYA: REVISTA DE ARTE, 2005, pp. 161.

Enciclopedia del Museo del Prado, V, T.F. Editores: Fundación Amigos, Madrid, 2006, pp. 1857.

Otros inventarios +

Inv. Fernando VII, Aranjuez, 1814-1818. Núm. 283.
QUARTO DEL PRINCIPE [...] Septima pieza [...] {21093} 283 / Dos varas y media alto dos ancho, San Francisco en la cama y un Angel tocando una lira = Ribalta

Catálogo Museo del Prado, 1854-1858. Núm. 163.

Inv. Real Museo, 1857. Núm. 163.
Ribalta. / 163. San Francisco de Asis. / Estando en su lecho enfermo de una grande melancolia, se le aparece un Angel que le consuela con la musica melodiosa de su laud. / Alto 7 pies, 4 pulg; ancho 5 pies, 8 pulg.

Catálogo Museo del Prado, 1872-1907. Núm. 947.

Catálogo Museo del Prado, 1910. Núm. 1062.

Catálogo Museo del Prado, 1942-1996. Núm. 1062.

Exposiciones +

Ribalta y la pintura valenciana de su tiempo
Madrid
09.12.1987 - 07.02.1988

Ribalta y la pintura valenciana de su tiempo
Valencia
30.10.1987 - 30.11.1987

Ubicación +

Sala 007A (Expuesto)

Expuesto

Objetos presentados +

Objeto de iluminación

Libro

Cruz

Laúd: Es una de las escasas representaciones detalladas de laúdes en la pintura barroca española. El instrumento está descrito con precisión en cuanto a la caja abombada, el contorno de la caja periforme, el mástil -bastante corto-, el diapasón con siete trastes, la cejilla y el clavijero inclinado hacia atrás con seis clavijas en un lateral y cinco en el otro. Esta disposición hace pensar en un laúd de seis órdenes (cinco dobles y la prima o cuerda más aguda, sencilla), que correspondería a un laúd de época anterior, aunque el dibujo de las cuerdas sobre el diapasón parezca tener más número de cuerdas. Las clavijas muestran en detalle el modelo que se usaba en el Barroco, conocido garcías a instrumentos conservados como guitarras (no se conservan laúdes de construcción española de ninguna época). La rosa central presenta un calado con dibujos geométricos que parece estar pegado a la tapa, como se hacía en las guitarras. El puente es sencillo y en él se atan las cuerdas como en la guitarra, aunque los extremos tienen unos salientes hacia abajo que resultan extraños. El borde del diapasón sobre la tapa armónica, tiene un perfil con dos puntas sobresalientes que eran habituales en los laúdes. En el sobrepunto, parte superior de la tapa armónica, tiene una taracea en madera de color oscuro con una figura vegetal estilizada. Este tipo de adorno es propio de las guitarras de la época. La postura de las manos es poco realista y parece más bien que con la derecha está sujetando el instrumento (Proyecto Iconografía Musical, UCM).
El laúd evoluciona a partir de su ancestro directo, el “ud”, original de Medio Oriente que aparece en Occidente en los siglos IX y X. Floreció en toda Europa desde el medioevo al s.XVIII. A mediados del siglo XVII el laúd era uno de los instrumentos más apreciados en Europa para la música doméstica, especialmente en Centro Europa. Aunque hay constancia documental de que existieronen España desde la Edad media, en los países hispánicos tuvieron más importancia la vihuela (en el s. XVI) y la guitarra y sus derivados (bandurria, tiple, etc.) a partir del siglo XVII.

Fecha de actualización: 21-09-2016 | Registro creado el 28-04-2015

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