Esta acuarela representa de perfil, como si se tratara de un bajorrelieve, la figura de un niño o un pequeño fauno, sentado sobre un trozo de un entablamento jónico, con decoración de ovas y dardos sobre un astrágalo. El niño, desnudo y delgado, hace pensar en los muchachos italianos que servían de modelos en las academias y representaban los pintores y escultores europeos. Fortuny había dibujado numerosos muchachos desnudos, algunos de ellos tocando la flauta, en las academias que realizó durante su época de formación, pero la primera aproximación concreta al modelo fue un dibujo de 1865 que, según su amigo el pintor Attilio Simonetti, realizó en una tarde en la academia Gigi de Roma. El dibujo (Biblioteca Nacional) es preparatorio para uno de los grabados más conocidos de Fortuny, titulado Idilio, fechado en Roma en 1865, y cuya composición sigue esta acuarela, tres años después. En el dibujo el entablamento está sustituido por un simple dado, no hay referencia al paisaje y no aparece el chivo. Es notable el hecho de que, tres años después, el pintor siguiera de cerca en la acuarela la composición de la estampa, de dimensiones menores. El modelado del cuerpo por el aguafuerte, con sus marcados contrastes de sombras y luces, se traduce en la acuarela con una mayor suavidad en los tonos ocres más oscuros, pero las áreas en sombra son casi exactamente las mismas. También la forma y los pliegues del paño son parecidos, aunque aquí hay más diferencias. Una importante es la disposición de la espalda más hacia atrás en la acuarela, lo cual le da a la figura un aspecto más elegante y manierista que en la estampa. En aquélla introdujo también algunas flores rojas, rosas y azules que animan el campo. En la acuarela se multiplican los rápidos y nerviosos trazos de las plantas de la derecha y se adelgaza la franja blanca que en el aguafuerte parece representar el mar, sin que esto último quede claro en esta obra. Al desaparecer el protagonismo de esa referencia horizontal y al hallarse totalmente visible el chivo y ampliado el primer término, la composición de la acuarela parece más libre y flotante que la de la estampa, que resulta más sólida y concentrada. El cromatismo de la acuarela acentúa ese carácter y permite unos acordes de gran belleza, como el de la flor azul sobre el paño, de color rojo seco pero con toques rosas. Los tonos dominantes, especialmente el acorde de blancos y azules en el cielo, evocan resonancias de Tiepolo. Por otra parte, la libertad de pincelada de Fortuny le sirve para lograr la calidad consistente y gruesa del pelo de la cabra y, en cambio, tocar de un modo muy fluido v rápido los tallos de las plantas, acentuando su carácter quebrado, que evoca el tratamiento de los artistas japoneses, conocidos por Fortuny desde la Exposición Universal de 1867 de París. El motivo pastoral, muy frecuentado en la pintura del siglo XIX a partir de mediados de la centuria, se relaciona con la valoración de la Antigüedad clásica por las distintas artes. En la pintura, la moda neogriega fue apoyada por el II Imperio en Francia y por la sociedad victoriana en Gran Bretaña. En este caso, el asunto permite al artista afrontar el tratamiento del desnudo infantil en la naturaleza, lo que origina una obra de gran frescura. Errazu poseyó una obra que, bajo el título Faune endormi, figuró en el pabellón español de la Exposición Universal de París de 1878, y que debe tratarse de ésta si se considera el significado del adjetivo como equivalente a indolente o soñoliento. Además, la cabellera alborotada del niño y su desnudez permiten identificarle con un pequeño fauno. La obra de Fortuny fue bien conocida a través del grabado del propio artista, de sus reproducciones y de la copia al aguafuerte que abrió en 1887 Miguel Seguí. (Texto extractado de Barón J.: El legado Ramón de Errazu, Museo Nacional del Prado, 2005, pp. 116-119).