La obra es una de las copias al óleo de mayor importancia de Mariano Fortuny, realizada seguramente con ocasión de su estancia en Madrid en 1867. En ella, con el beneplácito del entonces director del Prado, el pintor Federico de Madrazo, que en ese mismo año se convirtió en su suegro, el artista copió algunos de los cuadros del Museo, donde ya había trabajado el año anterior. Entre las obras que realizó en estas campañas se hallan la acuarela basada en el Menipo de Velázquez (P1207), que ingresó en el Prado como parte del Legado Ramón de Errazu (D7416), y esta copia parcial del San Andrés de José de Ribera (P1078).

En ambos casos, como en otros ejemplos conocidos que se hallan en diversos Museos y colecciones, el artista no se limitó a copiar con fidelidad aquellas obras maestras del pasado, sino que las interpretó con audacia y originalidad, eligiendo los aspectos de la composición que más le interesaron. En este sentido puede decirse que, después de Goya y hasta Picasso, ningún otro artista acertó a ofrecer ejemplos de similar calidad en sus copias de los maestros del Prado. Además de mostrar el núcleo mismo de sus predilecciones estéticas, estas obras constituyen testimonios muy elocuentes de la habilidad técnica del artista, de la profundidad de su comprensión de los maestros antiguos y de su misma capacidad creativa.

En el caso de esta pintura, el artista seleccionó la parte superior de la composición. La copia muestra especialmente la asimilación y la interpretación de la técnica claroscurista del maestro levantino y de su peculiar énfasis en el toque y en el empleo de la pasta pictórica, interpretados con soltura por Fortuny, para conseguir las especiales características anatómicas del desnudo. También logró plasmar el carácter de la actitud de la figura, profundamente natural y, al mismo tiempo, imponente. Alcanzó igualmente a diferenciar como Ribera, a través de una sutil variación del colorido, entre el torso desnudo en sombras y el manto oscuro que cae a la derecha de la composición. Más allá de esto, revela la captación de la profunda individualidad del modelo y una interpretación de gran veracidad de su carácter noble y meditativo. La introducción de ciertos tonos azulados en la parte posterior del cabello y en la ceja derecha del viejo y de otros rojizos en el pecho, y la acentuación de la intensidad de los rojos en el rostro y de las pinceladas que señalan la sombra en la nariz, suponen pequeñas modificaciones relevantes que obedecen al interés de Fortuny por el color y por la luz.

El artista conservó hasta su muerte esta pintura que, en la subasta de su atelier al año siguiente en París, alcanzó la importante cifra de 3.050 francos (Texto extractado de Barón, J. en: Memoria de Actividades 2014, Museo Nacional del Prado, 2015, pp. 20-22).