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Historia

La música en el Prado. Una historia en imágenes

A lo largo de este recorrido a través de las obras del Prado, iremos describiendo la evolución de la música en las diferentes etapas de la historia, desde la interpretación monódica de la antigüedad -donde todas las voces realizaban la misma melodía al unísono- hasta las grandes sinfonías interpretadas por orquestas del s. XIX.

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Antigüedad clásica

La música en la antigüedad clásica se entendía como un arte efímero presente en la vida social de las personas, como elemento de identidad, de pertenencia a un grupo, a una sociedad. Estaba ligada a la poesía y a la danza, funcionando como aglutinante para dar sentido a las palabras recitadas y a los gestos o movimientos corporales expresados.

Los instrumentos acompañaban a la melodía al unísono, enriqueciendo con florituras o de manera introductoria, y el ritmo estaba ligado a los pies métricos de la poesía y a los pasos de las danzas.

Todavía hoy se conservan sus 7 modos y escalas de “do” a “si”, que antiguamente se denominaban Jónico, Dórico, Frigio, Lidio, Mixolidio, Eólico, Locrio y servían para expresar los diferentes estados de ánimo.

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Las Musas eran hijas de Zeus y Mnemósine y vivían en el Monte Parnaso junto al dios Apolo. Eran las encargadas de dotar a los artistas de inspiración y creatividad. De las nueve Musas sólo tres portan instrumentos.

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Terpsícore era la Musa de la danza y la poesía ligera. El instrumento que porta es una lira con caparazón de tortuga.

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Erato era la Musa de la lírica coral y en esta escultura lleva una lira de Apolo (de madera).

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La Musa Euterpe era la de la música y como instrumento porta un aulós o aerófono de doble lengüeta.

Edad Media

Del s. V al XV, en la Edad Media, aparece por primera vez un gran interés por dejar escritas las composiciones musicales propias de los actos litúrgicos. En esta época surge el canto gregoriano propulsado por el Papa Gregorio I a modo de liturgia papal adaptada para los reinos francos. Analizando las tres representaciones que siguen en las que aparecen partituras con canto gregoriano podemos ver una evolución de la transcripción compositiva de la misma.

La música, que funciona como elemento cohesionador para transmitir la doctrina religiosa, se interpretaba de manera vocal (oral) y únicamente se usaban instrumentos para adornar o ayudar a reforzar las melodías de los cantantes para no distraer a los fieles.

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La música de temática religiosa, vinculada siempre a la devoción y el culto a Dios, suele anunciar, en el Paraíso, algo bueno, y en el Juicio final, la llegada del mismo. Los instrumentos se representan en la corte celestial, interpretados la mayoría de las veces por ángeles.

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En este ejemplo de partitura vemos una notación neumática, varias notas dispuestas sobre una sílaba que indican la ascendencia o descendencia de la melodía.

La Natividad (detalle). Maestro de Sopetrán

En esta época el canto será de estilo monódico (una sola línea melódica) y el texto será en latín, ya que se usarán los salmos de la Biblia.

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Ejemplo de notación cuadrada dispuesta en pentagrama, solo existe la notación sin duración ni texto de referencia.

La Virgen de la Leche (detalle). Maestro de don Álvaro de Luna

Las representaciones que existen de los pentagramas muestran cómo se ayudaban de guías gráficas para la interpretación de las notaciones. En este ejemplo de pentagrama con texto podemos ver las líneas en rojo, sin embargo la notación y el texto están en negro para ayudar a lectura.

Tríptico del Nacimiento de Jesús (detalle). Maestro del Tríptico del Zarzoso

En la Edad Media, mientras en las Iglesias se interpretaban diferentes cantos litúrgicos para difundir la palabra de Dios, en las calles y las Cortes se desarrollaban dos tipologías de cantos profanos, la de los juglares y la de los trovadores.

Artesonado (detalle). Anónimo
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Los juglares eran músicos ambulantes que entretenían a todo tipo de público en las calles, acompañando sus interpretaciones musicales con danzas.

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Los trovadores eran poetas y músicos que pertenecían a la nobleza y que componían sus propias creaciones. Fueron los creadores de la notación de la música profana.

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Las composiciones que hacían los trovadores tenían melodías latinas para versos clásicos y en lengua provenzal para temas caballerescos y de amor cortés.

Renacimiento

El Renacimiento es un periodo de gran desarrollo cultural y esto originará el aumento del deseo de saber y conocer todos los aspectos del arte y por tanto, también de la música. De esta manera la música se convertirá no sólo en un elemento de prestigio, sino también de poder.

Este periodo será muy favorable para la producción, desarrollo e intercambio de ideas compositivas, gracias a las mejoras de las comunicaciones que conectaban los diferentes focos musicales europeos, y sobre todo gracias al nacimiento de la imprenta, que facilitará ese desarrollo musical difundiendo en papel las mismas.

Las bodas de Caná (detalle). Leandro Bassano

Instrumentalmente será un periodo importante, ya que a partir del siglo XVI surgirán los diferentes desarrollos organológicos y sonoros de algunos instrumentos que marcarán la evolución y origen de las tres grandes familias instrumentales: cuerda, viento y percusión.

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Aparecen varias personas de clase social alta junto a un músico que toca el laúd. Económicamente eran los que podían permitírselo, convirtiéndose en mecenas musicales al pagar un salario tanto por las composiciones como por las interpretaciones musicales.

Lázaro y el rico Epulón (detalle). Leandro Bassano

Barroco

El Barroco fue un periodo comprendido, musicalmente, desde la primera ópera de Monteverdi, “Orfeo” (1607), hasta la muerte de Juan Sebastián Bach (1750). El poder reside en la aristocracia y en la Iglesia, que harán ostentación de su poder mediante la organización de grandes espectáculos en los que será importantísima la presencia de la música. Se crean teatros y salas de conciertos de carácter público que irán fomentando el desarrollo de la música. Pagando una entrada, el público tiene acceso a dicha actividad. Si en el Renacimiento se buscaba la belleza musical ahora, en el Barroco, se buscará la expresividad sentimental y la razón.

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Describe una escena muy interesante compositivamente en la que ya no hay alusiones religiosas ni de carácter mitológico.

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Concierto interpretado en una capilla napolitana noble para voces e instrumentos, de bajo continuo como violón, o de acompañamiento como el clave y la corneta.

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Violón de gran formato propio de este siglo. Tiene cuatro cuerdas, a diferencia de la viola de gamba que tiene seis; los laterales están rematados con aristas, reforzando el instrumento.

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Por su teclado de tipo italiano podemos saber que este instrumento es un clave barroco.

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Corneta curva renacentista que podemos reconocer por su forma y por su modo práctico de uso, todavía presente en este periodo.

Un concierto (detalle). Aniello Falcone

Brueghel resalta el mecenazgo de los archiduques hacia la música con esta alegoría del oído a través de la música y los diversos sonidos producidos por los animales u objetos simbólicos relacionados con los mismos, como el reloj y la importancia del tempo.

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En primer plano hay instrumentos pertenecientes a la familia de cuerda y de viento.

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Podemos apreciar el detallismo en la representación de las composiciones, que permite que hoy día sean leídas y por tanto tocadas.

El Oído (detalle). Brueghel y Rubens

Clasicismo

El Clasicismo comprende las fechas que van de la muerte de Bach (1750) a la muerte de Beethoven (1827). Este periodo vendrá marcado por la Ilustración. La burguesía adquiere poder económico y mostrará interés por la música pagando a los artistas y liberándolos de un mecenas aristocrático. Las actividades musicales se desarrollan en diferentes espacios de carácter público y casas de la nueva burguesía.

Las composiciones musicales se ven inspiradas por la búsqueda de la belleza y perfección armónica propia de la época clásica.

En este periodo destacan sobre todo tres conocidos compositores: Haydn, Mozart y Beethoven.

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Podemos identificar varios instrumentos, entre los que destacan dos violines, probablemente los primeros que entraron en España gracias a los Borbones franceses, un oboe de tubo fino y ligeramente cónico (desarrollo francés de la fisionomía moderna) y una trompa natural, aerófono de boquilla, que sobresale al fondo de la estancia.

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Una agrupación orquestal ameniza una velada a Felipe V y su familia. La orquesta de pequeño formato está situada en una tribuna con balaustrada que da acceso al salón palaciego de carácter abierto.

La Familia de Felipe V (detalle). Van Loo

Romanticismo

En este periodo desarrollado a lo largo del siglo XIX la música deberá tener el máximo carácter expresivo posible, capaz de dar rienda suelta a las emociones del público. Bajo el lema El arte por el arte, se usará la música para transmitir la esencia de las emociones. El instrumento por excelencia para transmitir dichas cualidades será el piano, por su carácter intimista, capaz de crear atmósferas personales sin necesidad de otros instrumentos; una persona, un instrumento.

Las dos tipologías musicales que se crean son la sinfonía programática, desarrollada en función de un argumento literario y el poema sinfónico, pieza de breve duración que expresa musicalmente un tema en concreto.

Se establece una nueva ordenación de grandes orquestas con 60/75 músicos de diferentes familias para componer grandes sinfonías. Ahora los músicos son libres para crear e inventar.

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La obra muestra una velada musical en el estudio del pintor Francisco Sans Cabot, en donde Juan Bautista Pujol, compositor y pianista, interpreta su obra Fausto.

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Como si de un efecto sinestésico se tratase, el pianista puede ilustrar, mediante imágenes, el sonido que va interpretando.

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Podemos reconocer a Mefistófeles y Marta, dos personajes que aparecen en la ópera de Fausto.

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En la zona inferior hay varias partituras de gran formato, ilegibles en cuanto a notación pero sí en estructura de cinco sistemas y notación convencional.

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El piano de cola es un modelo de la segunda mitad del siglo XIX de madera de caoba.

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