Los ingredientes fundamentales del estilo de Claudio Coello se advierten en esta obra, que está dispuesta a manera de gran escena teatral en la que está dispuesta a manera de gran escena teatral en la que, a través de San Juanito se invita a participar al espectador. Su composición dinámica y compleja, y su color brillante y expansivo evocan modelos del Barroco flamenco. También se emparenta con la pintura de Rubens y su escuela en el tratamiento narrativo del tema: al igual que el pintor de Essen convirtió su Huida a Egipto (P1640) en una conversación amable en un jardín, Claudio Coello reúne a ángeles y santos alrededor de la Virgen y el Niño en un entorno de gran riqueza cromática y arquitectónica, que evoca escenas de carácter cortesano. Como en todas sus obras, Coello da prueba aquí de su agudo sentido de la composición, y de su maestría para combinar abigarramiento descriptivo y claridad de lectura. Así, sabe introducirnos en el tema principal del cuadro mediante San Juanito y San Luis, cuyas actitudes nos conducen hacia la Virgen con el Niño, al igual que el vacío central que deja entre ambos. Se trata de una obra documentada desde principios del siglo XVIII, en que Antonio Palomino, poniéndola como ejemplo de los grandes progresos que dio pronto su autor en el campo del color, declaró que fue realizada para don Luis Faures, arquero de la guardia de corps de doña Mariana de Austria. Se cree realizada en torno a 1665-1668, un poco antes que su Virgen con el Niño adorado por santos y por las virtudes teologales (P660), que está firmado en 1669. Fue propiedad del marqués de la Ensenada, a quién se lo adquirió Carlos III. De las Colecciones Reales pasó al Museo del Prado.

Museo Nacional del Prado, Pintura barroca española: guía, Madrid, Museo Nacional del PradoAldeasa, 2001, p.246-247