La botánica en el arte

El primer ámbito temático profundiza en la capacidad narrativa del mundo vegetal. Las obras reunidas en esta sección muestran cómo, desde antiguamente, las plantas han actuado como portadoras de significados simbólicos vinculados a lo religioso, lo mitológico, lo político o lo sentimental.

En La infanta María Antonia Fernanda de Borbón, de Jacopo Amigoni, c. 1750, por ejemplo, una joven en edad casadera sostiene un clavel. Esta especie mediterránea es una de las más representadas en la historia del arte, aunque su significado varía según el contexto. En la mano de la infanta, la flor alude al compromiso afectivo que la une, o la unirá, a otra persona en matrimonio.

Otro ejemplo se encuentra en una Crucifixión anónima del siglo XVI en la que aparece un gordolobo, una planta de pequeñas flores amarillas, que crece junto a una de las tres Marías, que la observa con ojos llorosos. A esta especie se la conoce también como “candela regia” o “candelaria”, porque se utilizaba como cirio en ceremonias como los funerales, por lo que su presencia en esta obra refuerza su temática mortuoria.

La segunda sección explora el jardín como espacio real y como construcción simbólica. A lo largo de la historia del arte, el jardín se ha concebido como lugar de armonía, de conocimiento, placer estético o retiro espiritual. Es un lugar donde el ser humano encuentra sustento y equilibrio y donde parece que nada malo pueda pasar.

Por este motivo el ámbito también rinde homenaje al jardinero, figura que dedica tiempo y esfuerzo a cuidar de un espacio muy frágil, ya que, si no se atiende, se transforma por completo. En este sentido, actúa casi como un demiurgo, ya que da forma y armoniza ese pequeño universo con una voluntad creativa que se asemeja a la de los artistas.

Esta reverencia ante la figura del jardinero se aprecia en pinturas como Paisaje con un cartujo, de Herman van Swanevelt, donde un monje cuida un jardín de plantas bulbosas como tulipanes, azucenas o coronas imperiales. El personaje examina los bulbos que serán más apropiados para la siguiente temporada, mientras tres de ellos que se han descartado reposan sobre una roca.

El tercer ámbito se adentra en la dimensión sensorial del mundo vegetal. Las plantas, especialmente las que producen frutos comestibles, estimulan varios sentidos, y los artistas desplegaron su virtuosismo para representar de manera minuciosa flores y alimentos.

El bodegón, género central en esta sección, permite apreciar la fascinación por las texturas, los brillos y los matices cromáticos de distintas frutas. En ocasiones, como en Placa con taza que contiene frutas y mariposa, de finales del siglo XVII, las composiciones reúnen frutos de distintas estaciones en una misma escena, desafiando la lógica natural en favor de una imagen de abundancia. En esta pieza de autoría desconocida, cerezas y granada se muestran maduras al mismo tiempo, pese a que las primeras se recolectan entre la primavera y el verano, y la segunda en otoño.

Otros bodegones de esta sección permiten adivinar los gustos y costumbres de su época. En el óleo atribuido a Abraham Brueghel y a Guillaume Courtois titulado Bodegón. Hombre con mono y frutas (1660-1670), por ejemplo, aparecen dos tipos de cítricos muy valorados en la Europa del s. XVII: el naranjo amargo variegado, con bandas verdosas y amarillentas, y el naranjo “corniculata”, con unas llamativas deformaciones en su piel. Su representación en esta obra refleja la fascinación que despertaron los cítricos en el continente, cuando dinastías como los Medici en Italia reunieron en sus jardines una notable diversidad de especies.

El cuarto ámbito de la exposición aborda la dimensión expresiva del paisaje. Los bosques y jardines no son simples fondos para decorar una escena: sirven como recursos para transmitir estados de ánimo y construir atmósferas.

Un buen ejemplo lo ofrecen dos escenas de bosque incluidas en esta sección. En la primera, Bosque con jinetes y perros (1625-1630), Hendrick Cornelisz. Vroom representa un amplio camino flanqueado por robles, al fondo del cual apenas se aprecian unos perros minúsculos persiguiendo a una presa. La cacería, lejana, no altera la sensación de calma que transmite el paisaje, marcado por la quietud de los árboles.

En contraste, Bosque (1640-1645), de Simon de Vlieger, presenta otro roble, esta vez sacudido por el viento en plena tormenta. Esta especie de árbol es una de las más veneradas de Europa y, en este caso, el pintor la usó para simbolizar la fortaleza y la resiliencia necesarias para hacer frente al temporal.

El recorrido concluye con un espacio protagonizado por una sola obra: Escenas en un jardín (c. 1765), de Giovanni Battista Colombo. En el óleo aparecen diversos personajes elegantes en un jardín frondoso, organizado con elementos de arquitectura clásica, esculturas y fuentes. Algunos juegan, otros pasean, observan flores o se detienen junto al agua. La escena transmite un ambiente de calma y refinamiento.

Como señala Eduardo Barba en el catálogo de la exposición, esta pintura resume la renovación de la mirada que propone La botánica en el arte: la capacidad de detenerse y atender a los distintos detalles que a menudo pasan desapercibidos. Es una forma de mirar que siempre puede acompañar al visitante, ya sea al recorrer un jardín o visitar un museo, y que en cada ocasión revela matices particulares.

La muestra se cierra así invitando al público a seguir prestando atención a los márgenes de las grandes obras maestras y a reconocer, más allá de la exposición, la importancia del mundo vegetal. En esta sección también se incluye un ambiente sonoro envolvente que recrea el sonido de la última obra y que acompaña su contemplación, con sonidos como el rumor del agua, cantos de mirlos, cantos de petirrojos y brisa, entre otros, creado por el Estudi Carles Mestre.